“Il Nuotatore”, il post-rock dei Massimo Volume era ciò di cui avevamo bisogno 0 139

Oggi a Bologna ha inizio il tour nei teatri dei Massimo Volume per presentare il loro ultimo lavoro in studio: Il Nuotatore”. Quest’album è il risultato di un’intensa carriera musicale nata a Bologna nel 1991, bloccatasi nel 2002 a causa di uno scioglimento della band e “ripresa” nel 2008. Un percorso artistico nato in una cantina, attraverso due vecchi amplificatori e una voglia di suonare con il volume al massimo (lo diciamo adesso per non scriverlo mai più, promesso) per sentire meglio il suono e riuscire ad ottenere quel sound che li contraddistingue da tutto il resto. Finalmente in Italia un post rock degno, mi sento di aggiungere.

Era il 1991, al tempo provavamo in cantina con un’attrezzatura infame, avevamo solo due vecchi
amplificatori, così per poter sentire il suono dicevamo in continuazione: Massimo volume, alza al massimo il volume!
(Emidio Clementi)

Ma cosa ha Il nuotatore di diverso rispetto agli album precedenti? In grande linee direi nulla – a parte la formazione; adesso sono un trio formato dai membri storici della band – ed è proprio questa la cosa bella. C’è coerenza musicale, voglia di suonare come ai vecchi tempi – cosa che molte band perdono dopo il primo anno di réunion – e soprattutto: riflessione. La coerenza musicale la si ritrova nelle loro scelte, in un sound ottenuto senza l’ausilio dell’elettronica ma attraverso delle perfette alchimie tra gli strumenti; un ritorno al passato, alla purezza musicale di quei tempi, ai Massimo Volume del ’91.

Un album composto da nove tracce, tante chitarre e un messaggio molto importante che si individua superficialmente già dal titolo. Un nuotatore che sguazza nel mare – un chiaro riferimento al racconto di John Cheever – in balia di un qualcosa di incontrollabile, indomabile, che può essere allo stesso tempo sia luce che buio. Capace di travolgere ogni cosa che trova e allo stesso tempo abile a tenerci a galla in un mare che non è altro che sinonimo di “vita”. Un’esistenza difficile, piena di problemi che spesso travolgono i nostri giorni togliendoci le forze per andare avanti, costringendoci a stare nell’ombra, a farcela piacere controvoglia, come Fred; che vive in una stanza fredda, assente da qualunque voglia e allo stesso tempo con diverse presenze nella sua vita che vogliono aiutarlo.

Fred è la settima traccia dell’album; un brano caratterizzato da un mood riflessivo, un groove lento, un parlato che si traveste da schiaffo. Uno schiaffo dato da un amico che prende le sembianze di uno psicologo ma con più coraggio, sbattendoti in faccia cose che soltanto lui potrebbe dirti. Per permetterci di vedere la luce anche nel buio più profondo, perché c’è sempre uno spiraglio. Quest’ultimo lo ritroviamo nel primo brano, in Una voce a Orlando. Un pezzo che fin da subito, soltanto strumentalmente, ti fa dire: “sono i Massimo Volume”. Un post-rock vecchia scuola che sfocia a tratti in un sound psichedelico, con una chitarra che ascoltandola a occhi chiusi sarebbe capace di portarti in un’altra dimensione e di farti capire davvero le parole precedenti; perché le cose in un modo o nell’altro ce le devono dire due volte per farcele capire. In ogni situazione.

Esistono case senza luce
né tetto
ma la gente ha imparato a viverci lo stesso
pur di non stare all’aperto

La ditta di acqua minerale, il secondo brano, vede un sound diverso da quello dei precedenti brani. Più “veloce”, intenso e a tratti vuoto; perfetto per spiegare la situazione che viene raccontata dal testo e con una chitarra inedita. Nei primi album non risultava molto una ricerca timbrica come quella riscontrata in questo ultimo lavoro; ecco, ho appena smentito una frase della mia introduzione, questa è una delle poche cose che differenziano questo disco dai precedenti.

Il terzo brano è intitolato Amica Prudenza. Quella che tutti vorrebbero nella loro vita, utile e inutile allo stesso tempo. Un brano “raccontato” attraverso un sound che sfocia a tratti nell’ambient o in un post-rock più “pulito”; che si intensifica, si distorce, si pulisce, si sporca.

Ed eccoci adesso alla traccia omonima, Il nuotatore. Un arrangiamento molto ritmato, caratterizzato da una batteria decisa, convinta, e una voce che emana consapevolezza cruda e spietata. Una vita dura, che cambia di colpo e che a ogni cambiamento ci grida contro dicendo: “non puoi fare nulla per impedirlo, cazzi tuoi”. tre minuti e trentasette secondi di pura poesia.

Il brano successivo, Nostra signora del caso, ha come protagonista la sorte, il destino, il fato… insomma, avete capito. Un’entità incontrollabile, che spesso sottovalutiamo pensando di tenerla in pugno; imprechiamo contro di essa giornalmente, proviamo a resistere fallendo miseramente. La traccia è costruita su un’impalcatura sonora dai tratti angoscianti, capace di rievocare quelle emozioni ansiose celate in noi stessi anche grazie alla potenza del testo; una sonorità, una perfetta correlazione tra parole e sound, un mix di emozioni riscontrabili in diverse band (ogni riferimento ai Radiohead è puramente casuale) e non da tutti. Non per tutti.

L’ultima notte del mondo, il sesto brano, è uno dei migliori pezzi della band, non solo per tecnica. Possiamo intendere questo brano come un’autobiografia, una testimonianza della cultura dei Massimo Volume in campo musicale e delle loro capacità in termini di composizione.

Adesso è tempo di introdurre due piccoli aneddoti: uno riguardante il secondo brano La ditta di acqua minerale” e l’altro per introdurre l’ottava canzone: Mia madre e la morte del gen. José Sanjurjo”.
Due personaggi che perdono tutto a causa dell’eccesso; lo zio la sua azienda e il generale – come è noto – la vita. Come dice Emidio durante delle interviste: “si tratta di grandi parabole sulla vanità”. La Storia con la S maiuscola, narrata attraverso il post-rock italiano.

Domani sapremo
ne sono quasi sicuro
se poi sarà troppo dura per noi
incolperemo qualcuno

La strofa precedente introduce l’ultimo brano: Vedremo domani. Un pezzo che inizialmente appare come diverso, scostante rispetto agli altri grazie ad una qualche influenza pop-rock estranea alla band, ma che sa riprendersi subito e che, comunque, non dispiace. Nella vita bisogna variare, ogni tanto.
Domani sapremo e nel caso incolperemo qualcun altro. Testimonianza di una band che, dopo anni di carriera, si trova in un’Italia cambiata sotto ogni aspetto e che trova le parole perfette per raffigurare e racchiudere in quattro minuti e trenta secondi il contesto in cui ci ritroviamo.

Arrivati all’ultimo brano, non posso altro che riconfermare quanto detto in precedenza: un album coerente con il loro modo di fare, che testimonia la loro cultura letteraria – da sempre, e per fortuna nostra, sfruttata per i loro testi – e che, soprattutto, trasmette un messaggio molto forte e più che attuale, lanciato da una band che da ventotto anni risiede in un’Italia in costante mutamento, sul piano musicale come su quello politico. Certo, questo è il corso della vita, è inevitabile e loro lo sanno – la signora del caso lo sa – ma sicuramente non possiamo star zitti e con gli occhi chiusi.
Questo “non è un paese per inetti”.

 

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Il Primo Re, Rovere dona speranza al cinema italiano 0 159

Il primo Re’ potrebbe, dalle premesse, non risultare un film per tutti. Sicuramente non è l’ennesimo Marvelone d’oltreoceano che ha riempito le sale italiane nei week-end, ma nemmeno la solita commedia all’italiana che ha forte richiamo nei cinema nostrani – e solo in quelli nostrani. Fin qui, però, ho detto cosa questo film ‘non è’, ormai parametro fondamentale per classificare e apprezzare la cinematografia. La verità è che in un mondo di Neri Parenti preferirò sempre un Matteo Rovere. Rovere, infatti, non è solo il regista dietro a questa pellicola, ne è anche produttore attraverso la sua personale casa di produzione Groenlandia srl. Ed è proprio grazie alla produzione se questo film non solo ha visto la luce ma è LIBERO da quelle che sono le regole e i topoi a cui la cinematografia italiana ci ha da sempre abituati. Rovere aveva già dimostrato di avere le palle ai tempi di “Smetto quando voglio”, anche quello film inusuale per il nostro Stivale – tralasciando la parabola indecente dei sequel-, mai però quanto ‘Il primo Re’. Ma andiamo a spiegare i motivi per cui questa premessa è stata doverosa: di cosa parla questo film? [SPOILER ALERT FINO A PARAGRAFO SUCCESSIVO]

Attraverso una prima sequenza degna di Hollywood, Rovere ci introduce al mondo di Romolo (Alessio Lapice) e Remo (Alessandro Borghi): una landa primordiale in cui molti degli uomini sembrano ancora animali, bestie rabbiose. I fratelli vengono catturati dagli uomini di Alba, città che su quelle terre ha l’egemonia indiscussa. I due però riescono a scappare in un qualche modo, sebbene Romolo rimanga ferito gravemente. Da questo punto in poi, per quasi metà film, la pellicola attraversa una fase alla ‘Revenant’ (Film di Alejandro González Iñárritu con Leonardo Di Caprio, 2016) in cui la vita di Romolo è messa a repentaglio sia dall’infezione che si è generata dalla ferita, sia dagli uomini fuggiti con i due fratelli che lo vorrebbero abbandonare, ritenendolo maledetto da Dio. Remo si guadagna il rispetto di questi e non solo li dissuade dall’abbandonare il fratello, ma li convince anche a seguirlo lontano da Alba, scappando dai soldati a cavallo, più numerosi e meglio armati, verso una “terra promessa”. Contro ogni opinione, Remo continuerà a sfidare il volere divino anche dopo che il fratello sembrerà ripresosi, non adempiendo a ciò che ha predetto l’oracolo: uno dei due fratelli fonderà una potente città e ne sarà il re, ma solo perché avrà preso la forza e la volontà per adempiere a tale compito macchiandosi di fratricidio, dando agli dèi ciò che vogliono. Sebbene Romolo si mostri favorevole a sacrificarsi (dopo essere appena guarito) per il fratello che ama, questi non riesce a seguire un così crudele destino e sceglie di ignorare il fato predetto. È questa la fine di Remo: continuerà a sfidare gli dèi, affermando che gli umani sono soli e che lui non vuole più farsi guidare dai riti propiziatori e dal caso; vuole divenire il suo destino, cosa che accadrà. La smania di ciò lo porterà infatti a compiere questo suo destino, morendo per mano del fratello che si stancherà ben presto delle sue blasfemie. Ucciso con tanto orrore dalla mano fraterna, però, darà anche il nome alla città che sarà fondata da Romolo, l’Urbe, dall’altra parte del fiume, una città libera sui cui Alba non potrà mai allungare le mani: Roma. [FINE SPOILER ALERT]

Il film si discosta totalmente dalla classica produzione italiana, presentandosi a tratti crudo, se non, addirittura, crudele; ma, soprattutto, mai gratuito. Intercorrono tra di loro scene di estrema violenza e azione alternate ad evocativi campi lunghi in cui i paesaggi diventano reali protagonisti. Certi momenti del film si compongono di lunghe attese, facendo intuire allo spettatore che qualcosa succederà, dando vita a una tensione palpabile e via via crescente, fino al raggiungimento di uno sgozzamento, un duello, una piccola battaglia o, a volte, solo uno scambio di battute. A rendere al meglio le scene di combattimento è l’abilità dei due attori protagonisti, Lapice e Borghi, i quali si sono allenati con la scherma nel periodo antecedente le riprese, riuscendo a riportare un sano realismo davanti la macchina da ripresa. Qualcosa che potrebbe far storcere il naso ai più attenti, invece, potrebbe essere la ricostruzione storica legata agli abiti, ai luoghi e alle armi che, almeno in parte, pare errata, nonostante il grande e prezioso contributi di alcuni archeologi e storici nella ricostruzione delle ambientazioni. Ma poco importa quando l’atmosfera che Rovere riesce a creare ci porta in viaggio tra quei boschi e quei colli dove i nostri antenati furono – e rivivono, grazie a questo film. Legarsi in toto alla fedeltà storica, o mitica che dir si voglia, poteva essere una scelta interessante, ma forse non avrebbe reso bene parte dell’opera che deve alle immagini d’impatto e alla regia la sua forza, non di certo alla sua correttezza storiografica. Storia che ogni spettatore conosce già da prima di vedere il film, che non sorprende più di tanto, che non offre grandi colpi di scena. La storia è solo una cornice, una scusa per offrire determinate immagini e scene portatrici di una potenza inaudita.

Tra tutti questi pregi un grande difetto, se vogliamo, è la povertà di concetti. L’unico portato in scena è il rapporto con il divino o con il destino cui l’uomo è legato. Il sottomettersi al proprio fato come fa Romolo, seguendo la via giusta (pietas romana, quella che incarnava l’eroe Enea), contrapposto al voler affrontare il destino, cercando di combatterlo con tutto sé stesso per poi fallire miseramente, come fa Remo (e come fanno tutti i personaggi ‘negativi’ della latinità).

Non deve essere stato facile girare questo film; ancora più difficile, invece, sarebbe stato portarlo al cinema e sperare in un riscontro positivo. Rovere però ci è riuscito, nelle sale italiane è stato finalmente proiettato un prodotto diverso, in grado di far riportare la mente ai gloriosi anni ’80, quando l’industria cinematografica italiana era molto rispettata e in diretta competizione con quella statunitense, prima che gettassimo la spugna e ci arrendessimo allo stra-potere nemico affacciato sul Pacifico. Ed è un po’ quello che fanno Romolo e Remo quando tutti si sono già arresi:mostrano i denti e combattono con tutto ciò che hanno, tenendo alto il loro valore contro la potentissima e più progredita Alba.

il primo re matteo rovere

Non sapendolo, non pensereste mai che, per questo film, non si è attinto a fondi pubblici, motivo per cui la mano di Rovere era guidata solo dal suo spirito. Soltanto la prima scena del film è costata un quarto del budget stimato di otto milioni – cifre che, per il nostro cinema, possono sembrare un’iperbole ma che, paragonati alla media di settanta milioni per un film della Marvel, paiono lenticchie.

Tirando le somme, è davvero difficile trovare dei difetti in quest’opera. L’unico ostacolo alla visione potrebbe sembrare essere la lingua utilizzata in questo film: la pellicola è, infatti, interamente recitata in un latino arcaico, lingua che riesce a donare una forte potenza d’impatto a molte scene. La sensazione rimane quella di una scelta azzeccatissima: un doppiaggio in qualsiasi altra lingua avrebbe davvero reso male se paragonato alla forma originale in cui oggi il film viene presentato: il protolatino si sposa perfettamente all’atmosfera che Rovere ci fa respirare, generando, a tratti, una sonorità piacevole all’orecchio – grazie anche all’ottima interpretazione del cast. Il Primo Re riesce, in sostanza, a donare speranza al cinema italiano, scalando un tratto importante in quello che è l’arduo percorso di risalita che la nostra industria cinematografica è obbligata a compiere, magari seguendo proprio i passi – e quindi l’originalità – di registi come Rovere.

Ascoltare i Quercia per perdersi e ritrovarsi 0 114

È uscito il 20 febbraio scorso ‘Di Tutte le Cose che Abbiamo Perso e Perderemo‘ il nuovo LP dei Quercia, band cagliaritana dalla fortissima attitudine punk, che negli anni ha saputo coniugare l’alternative con l’emo e il pop con lo screamo, il post hardcore e, ovviamente, il post rock. In quest’ultimo lavoro – interamente autoprodotto – c’è tutto questo, ma anche di più. C’è il dadaismo intenzionale di band emergenti come i Cucineremo Ciambelle (forieri del math rock in Italia), il graffio dei Gazebo Penguins di Legna, ma anche il groove dei CCCP, insomma: storia, tradizione e irrazionalità. Il tutto è condito con una buona dose d’introspezione, un pizzico d’insofferenza e una spruzzata di malinconia. Questo disco ha un filo conduttore: la perdita. Relativa a persone, cose, sentimenti ed emozioni, la perdita è legata a un senso di vuoto che attiva in noi un meccanismo inerziale che ci spinge a cercare un “rimpiazzo” e ci porta a tracciare i contorni – prossimi alla dissolvenza – di ciò che abbiamo perso, su quelli dell’eventuale rimpiazzo. Non siamo disposti ad accettare l’oblio né tantomeno la perdita, per questo tentiamo di esorcizzarla ed esorcizzare la sofferenza che ad essa è legata. Con la musica si può fare.

La copertina del nuovo disco dei Quercia

Il disco si apre con Buio: brano potentissimo, urlato, quasi sputato in faccia a chi ascolta. Chitarre distorte e un ritmo martellante di una batteria ormai usurata: è il pezzo con la cazzimma, quello che ti spettina e ti fa ribollire qualcosa dentro. È il varo che porta la nave lontano, fra le onde della melanconia e quelle del destino (con buona pace di Lars von Trier).

Il viaggio continua con Finestra, brano che incarna perfettamente lo spirito screamo. Il testo è imperniato sulla domanda “che cosa ci manca davvero?”, e proprio la mancanza – come già detto – è il filo conduttore di tutto il disco. Il graffio della voce esalta il testo stringato ma essenziale e mai banale.

Torri è il pezzo multanime, quello che comincia in un modo e finisce in un altro. L’inizio soft con un bel riff lascia presto il posto alla prepotenza della voce e della batteria. Questo brano è un invito cinico a dimenticare tutto ciò che è stato e che probabilmente non sarà più. Dimenticare – fare tabula rasa – per ricostruire e ricostruirsi, per non perdersi nei ricordi e andare avanti, questo è il messaggio.

Pogare è lecito, soprattutto per pezzi come Corridoio che ti sollevano letteralmente da terra (provate ad ascoltarlo col surround acceso a volume alto, ma state lontani dai vetri!). Il post-rock, il punk, l’emo, si sentono tutti e si avvicendano in un preciso gioco di rimandi. Questo pezzo sembra descrivere la memoria come un corridoio che percorriamo a ritroso per trovare i ricordi migliori. I peggiori li lasciamo dissolvere nel buio dell’oblio.

Quercia band

Voci distorte, frasi che s’incastrano perfettamente e licenze poetiche. Problema è una confessione accompagnata da un groove avvolgente: “L’inferno che conserviamo nelle stanze di noi stessi brucia chi non lo capisce”. Abbiamo tutti un inferno privato che non siamo disposti a condividere, perché siamo convinti che nessuno sia in grado di comprendere. Non è sbagliato pensarlo, ma non è neanche giusto: è semplicemente relativo (anche se è risaputo che all’inferno ci sono solo stanze singole!).

Capolinea è un brano più lento e cupo ma non per questo meno intenso. È un pezzo alla Gomma (band post- punk casertana) da cui traspare l’anima intimista della band: noi siamo il capolinea del treno e non si può più andare oltre.

Si cambia completamente stile in Altalena, pezzo strumentale, quasi ambient. È un brano rilassante e cullante, un unicum nell’intera produzione dei Quercia.

C’è un trait d’union che lega Altalena e l’ottava traccia del disco; è un filo sottilissimo che unisce i due brani e li rende complementari. Con Pozzanghere si torna nell’alveo dell’emo, seppur con qualche sfumatura punk. Il pezzo è un invito ad asciugarsi le lacrime, a smettere di piangere e fare pozzanghere, perché c’è sempre qualcosa di meglio da fare. Questo è il tentativo di esorcizzare la pena che segue una perdita.

L’attacco è di quelli potenti: “Tutte le cose che abbiamo perso e perderemo, non sono mai nostre davvero”. Fiammiferi è il pezzo più breve ma il più intenso dell’album. È privo di sovrastrutture e l’incipit si ripete così tanto da rimanere impresso nel cervello. Sì, è il brano che preferiamo.

Siamo soliti costruire muri per evitare di continuare a guardare ciò che ci disturba e ci fa male. Il muro è un confine mentale e/o fisico che c’impedisce di guardare, ma non c’impedisce di pensare: occhio non vede, cuore non duo-…no, troppo banale! Muro non lo è e ci porta a riflettere sull’inutilità di continuare a costruire qualcosa che finiremo, comunque, per distruggere, se non fisicamente almeno col pensiero. La chitarra nel finale si prende meritatamente la scena!

Bivio ha un testo verace, a tratti poetico. L’anima alternative e post rock del pezzo si tinge di punk, l’elemento distintivo della band. Qui troviamo l’arrangiamento più bello dell’album; ovviamente, come ripete sempre un mio amico “De gustibus […]”.

Il pezzo che chiude il disco s’intitola Ridevamo ed è una sorta di avviso ai naviganti: c’è sempre un motivo per non stare fermi e andare avanti. Il tempo passa e non possiamo far altro che farci trovare pronti per non arrivare in ritardo al nuovo appuntamento. Il gattopardismo larvato nel testo tradisce l’insofferenza per un posto che è, allo stesso tempo, sempre troppo uguale e troppo diverso.

Non bisogna limitarsi all’apparenza. Per capire i Quercia e la loro musica bisogna andare in profondità, senza scarnificarli. Al primo ascolto sembrano i cinque ragazzotti che ti urlano in faccia l’incazzatura dei vent’anni. Approfondendoli, invece, ci si rende conto che hanno le palle e meritano tanto!

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