Il pagellone finale: Lauro vincitore morale, Ultimo mediocre; Il Volo in picchiata 0 743

Eccoci qua, ancora una volta, come ogni anno, a tirare le somme dell’evento musicale che, volente o nolente, catalizza l’attenzione del pubblico mainstream italiano: il festival di Sanremo. In questa edizione più che nelle altre, ci preme sottolineare il termine mainstream, visto che forse, per la prima volta dopo anni, la direzione artistica, gestita da Claudio Baglioni, ha aperto le porte al nuovo mainstream musicale italiano. Non solo dunque le classiche sonorità “sanremesi”, ma anche una buona dose di esponenti dei generi che, negli ultimi tempi, attirano di più le nuove generazioni: l’hip hop e l’indie.

Fatta questa premessa non richiesta, abbiamo deciso di continuare a scrivere opinioni non richieste col nostro personalissimo classificone finale della sessantanovesima edizione del Festival della Canzone Italiana. Sì, a noi italiani non basta metter bocca sulle convocazioni della nazionale di calcio, ma dobbiamo anche criticare senza riserve i pezzi sanremesi. Anche questa è italianità (vi garantiamo che non ci sono redattori con genitori egiziani).

Cominciamo dall’ultimo classificato sino al vincitore.

NINO D’ANGELO E LIVIO CORI – UN’ALTRA LUCE
Forse noi italiani siamo troppo ingenerosi con Nino D’Angelo, e non solo per il suo passato. Con “Un’altra luce” porta al festival il giovane Livio Cori, dando vita ad una canzone dal testo più poetico di quanto l’ultimo posto in classifica possa far immaginare e da una musicalità nostalgica e a tratti ricercata. D’Angelo ha ancora belle cartucce da sparare, mentre Cori può puntare ad essere continuatore di una musica napoletana da preservare con cura. VOTO 8

EINAR – PAROLE NUOVE
Il ragazzo si farà, anche se ha le spalle strette? Dati i pretesti temiamo di no. Le parole in “Parole nuove” sono in realtà parole vecchie, come vecchia è la musica che accompagna il giovane cantante. Una canzoncina funzionale al grande circo sanremese, probabilmente qualche 0,51 centesimi estirpati dai telefonini di qualche genitore di alcune preadolescenti sui 12/13 anni (ma non esageriamo, ci sono stati comunque Ultimo e Irama). VOTO 4

ANNA TATANGELO – LE NOSTRE ANIME DI NOTTE
Sapete cosa? Probabilmente questa è la miglior Tatangelo sanremese dai tempi di “Ragazza di periferia”. E non intendiamo certo migliore dal punto vista degli outfit. Una canzone modesta, senza troppe pretese, ma che ha sottolineato una maturazione vocale della Tatangelo che fa comunque piacere. Il livello può attestarsi quasi sulla sufficienza, ma siamo quietamente fiduciosi per il futuro. VOTO 6

PATTY PRAVO E BRIGA – UN PO’ COME VA LA VITA
Patty è stanca. Si sente dalla voce, dall’interpretazione e dal fatto che “Un po’ come va la vita”, se fosse stata proposta 10 anni fa, sarebbe stata uguale al 90% delle canzoni. Quindi Patty, grazie veramente per tutto, ma sarebbe anche ora di riposarsi un po’. Discorso diverso per Briga: ottima pulizia vocale e bella interpretazione. Da solo vale un mezzo voto in più. VOTO 5

NEGRITA – I RAGAZZI STANNO BENE
I ragazzi dei Negrita stanno bene, e vogliono dimostrarlo portando al festival un pezzo fresco, in pieno stile giovanile, senza però incidere fino in fondo. Il gruppo non riesce a colpire nel segno, e “I ragazzi stanno bene” appare come 4 minuti di spensieratezza pop-rock senza troppe pretese. Intrattenenti, in fin dei conti. VOTO 6 ½

NEK – MI FARÒ TROVARE PRONTO
Su Nek vorremmo non dilungarci troppo: suona la stessa canzone da 20 anni e, quando abbiamo letto il suo nome tra i concorrenti prima del festival, ci siamo aspettati tutti lo stesso pezzo. Pezzo che, puntuale come Michelle Hunziker “ospite a sorpresa” in OGNI EDIZIONE DEL FESTIVAL, è arrivato. Grazie ancora Nek, non ne sentivamo assolutamente la mancanza. VOTO 5

 

FEDERICA CARTA E SHADE – SENZA FARLO APPOSTA
Probabilmente in secondo superiore questa canzone ci sarebbe piaciuta di più. Sta di fatto che “Senza farlo apposta” risulta alquanto monotona, facendolo apposta. Polpettone adolescenziale in cui i due piatti forti degli interpreti, ossia gli abili giochi di parole di Shade e la particolarissima voce di Carta, sono sfruttati poco e maluccio. Big up per il feat. con la D’Avena. VOTO 5 ½

THE ZEN CIRCUS – L’AMORE È UNA DITTATURA
Appino è stato molto coraggioso. Portare al festival della canzone italiana un pezzo senza ritornello avrà confuso non poco il pubblico generalista. Il risultato è, ad ogni modo, ottimo: un crescendo continuo, un testo per nulla banale e un’ottima atmosfera, anche se il brano si discosta dalla discografia, ben superiore, degli Zen. Probabilmente Sanremo non è pronto per questo. VOTO 8

PAOLA TURCI – L’ULTIMO OSTACOLO
E brava la Turci! La cantautrice, tornata alla ribalta del panorama italiano dopo la partecipazione al Festival del 2017, dimostra a tutti di che stoffa è fatta. Anche dopo diversi anni di assenza si crea uno stile inconfondibile e, in qualche modo, esclusivo. La voce rimane potente e l’interpretazione non è niente male. Una piacevole riscoperta. VOTO 7

 

FRANCESCO RENGA – ASPETTO CHE TORNI
“Aspetto che torni” è la canzone sanremese per eccellenza: buoni sentimenti, qualche degna nota poetica che affoga in un mare di piccole e dolciastre banalità, percussionisti che si addormentano mentre suonano in 4/4… insomma, non c’è molto di cui discutere. Per quanto non ci piaccia in linea generale, comunque, l’estensione vocale di Renga riesce a sopperire ad alcune lacune foniche. VOTO 6

MOTTA – DOV’È L’ITALIA
Un gigante Motta. Riesce ad infilare una potentissima critica sociale sull’Italia di oggi (immigrazione soprattutto) in quella che pare essere una canzone d’amore da fiori sanremesi. Il testo è una poesia commovente, permeata da quello stile musicale che ha consacrato Motta come uno dei cantautori italiani più bravi degli ultimi tempi. Peccato che non sia stato capito. Standing ovation anche in redazione per il duetto con Nada. VOTO 9

EX-OTAGO – SOLO UNA CANZONE
“Ma sì dai, è solo una canzone!”. È sicuramente questo quello che hanno pensato gli Ex-Otago prima di partecipare al Festival con questo pezzo che, francamente, non è né carne né pesce. Anche qui c’è poco di cui parlare: il brano passa inosservato e, a giudicare dai precedenti lavori del gruppo, è un vero peccato. VOTO 5


GHEMON – ROSE VIOLA
Un gran bel pezzo quello di Ghemon, capace di offrire al pubblico del Festival un connubio meraviglioso tra hip-hop e R’n’B, il tutto accompagnato dalla voce, unica e suadente, di un grande musicista della nostra penisola. VOTO 8

BOOMDABASH – PER UN MILIONE
Ma siamo a Sanremo o a Ostia Lido? Prendo in prestito la citazione più utilizzato del cinema italiano: “ma che è ‘sta cafonata?” VOTO 4 ½

ENRICO NIGIOTTI – NONNO HOLLYWOOD
Qualcuno di noi non sapeva chi fosse, ma la risposta d’ora in avanti sarà “colui il quale ha portato, al Festival di Sanremo 2019, un pezzo riuscito ottimamente, figlio della classica tradizione sanremese, ma comunque di impatto e di indubbia efficacia comunicativa e musicale”. Insomma, non penso che diremo esattamente queste parole, ma ci siamo capiti. VOTO 7 ½

ACHILLE LAURO – ROLLS ROYCE
Signore e signori, fate spazio al vero vincitore morale di questo Sanremo: Achille Lauro con la sua rombante “Rolls Royce”. Il trapper ha dovuto subire di tutto: dalle primordiali critiche di entrare nelle case di milioni di famiglie con la pericolosa “tRaP”, dai vergognosi servizi infamanti di Striscia la Notizia, fino a quell’applauso scialbo che la platea dell’Ariston gli ha riservato il primo giorno. Da lì, però, è stato un crescendo di consensi e spettacolo: la canzone, che strizza l’occhio al rock toccando ben poco la trap, è un inno alla dissolutezza come non ne vedevamo da decenni su quel palco. Il personaggio Lauro ha egemonizzato l’Ariston con la spocchia e lo stile del fuoriclasse, e il duetto con Morgan è stato, senza troppi giri di parole, perfetto, nonché paradigma del vecchio e del nuovo modo italiano di andare controcorrente. Lauro ha avuto il coraggio di sfidare tutto e tutti. E ha vinto. VOTO 9

 

ARISA – MI SENTO BENE
Presenza fissa sul palco dell’Ariston, Arisa si è voluta cimentare in un pezzo disneyano, ricolmo di quelle caratteristiche musicali assimilabili a musical “per tutta la famiglia”. L’ennesimo inno al carpe diem e al vivere la vita felicemente garantisce incetta di voti dal pubblico di mamme convinte di cambiare il mondo con l’amore. Se c’è, però, un pregio di assoluto livello di “Mi sento bene” è la voce di Arisa, come sempre perfetta e spettacolare, che garantisce un mezzo punto in più al voto complessivo. Quasi dispiace che la utilizzi per canzoni così banali, ma forse è giusto così. VOTO 6

IRAMA – LA RAGAZZA CON IL CUORE DI LATTA
Prego, signore e signori (e soprattutto ragazzine), benvenuti alla giostra delle banalità romanticone! Sperimentazione? Innovazioni a livello testuale e abbandono dei cliché? Macché! Salga pure sulla giostra di Irama! E se ci scegliete quest’anno, garantiamo per tutti i prossimi Festival una giostra uguale a questa ma non troppo, il tanto che basta per essere ammessa ed entrare in Top 10 grazie alla smielata potenza dell’amore adolescenziale! VOTO 3 ½

DANIELE SILVESTRI E RANCORE – ARGENTOVIVO
Allora, premettiamo che per questa canzone si dovrebbe scrivere un saggio. Un capolavoro raro, rarissimo, non solo a Sanremo, ma anche nella musica italiana. D’altronde i due artisti che la interpretano sono tra i musicisti migliori della nostra generazione: da una parte Daniele Silvestri, cantautore unico nel suo genere, dall’altra Rancore (non accreditato, sigh), uno dei rapper più monumentali dell’hip-hop italiano. Il pezzo, che descrive con poetica durezza la condizione di un ragazzo iperattivo emarginato dalla società, ricalca lo stile musicale frenetico e crudo di Rancore, affidandosi per lo più alla voce di Silvestri che ben si presta al rap. Un ritratto drammatico e vero di un problema lasciato spesso in secondo piano, scritto con commovente rabbia e liturgica poesia. Il miglior pezzo di questo Sanremo, e forse non solo. VOTO 10

 

SIMONE CRISTICCHI – ABBI CURA DI ME
Se dicessimo che il pezzo di Cristicchi non ci abbia emozionato mentiremmo, ma mentiremmo anche se dicessimo che “Abbi cura di me” sia ai livelli dei suoi precedenti lavori sanremesi. Il cantautore ha una sensibilità artistica ed umana rara, ed è per questo che dispiace constatare che la canzone, nonostante abbia toccato il cuore di molti, non sia riuscita ad andare oltre il semplice nodino in gola. Il testo è fin troppo banale per gli standard altissimi di Cristicchi, non riuscendo ad incidere più di tanto dopo il primo, religioso ascolto. E, ultima cosa, forse il premio per la miglior interpretazione non è giusto darlo a chi, come lui, mostra i lacrimoni sul palco. Forse l’interpretazione è anche altro. VOTO 7 ½

LOREDANA BERTÈ – COSA TI ASPETTI DA ME
Beh, lo affermiamo a gran voce: il pubblico dell’Ariston ha fatto bene a lamentarsi della mancanza della Bertè sul podio, soprattutto a giudicare da chi ci stava, su quel podio. La Loredana nazionale torna al Festival con una canzone potentissima, sia per il testo, sia per la musica, ma soprattutto per l’interpretazione. L’interpretazione di un’artista di cui spesso, purtroppo, dimentichiamo i meriti nella storia della musica italiana, di una donna che, dopo aver vissuto una vita al limite, vuole ancora gridare al mondo, con la voce graffiata e sfregata da un’esistenza spericolata, “cosa vuoi da me?” VOTO 9 ½

IL VOLO – MUSICA CHE RESTA
Che nel 2019 Il Volo arrivi terzo al Festival della Canzone Italiana significa che c’è ancora tanto su cui lavorare. Avremmo voluto scrivere questa sezione in caps lock per far capire l’ira che questo terzetto vecchio come il cucco provoca nelle nostre persone, ma ci limitiamo a scrivere che, al contrario del titolo del brano, ci auguriamo che questa musica non resti. E che magari subisca una sana damnatio memoriae; d’altro canto, se si vuole ascoltare lirica commerciale come si deve la scelta è ampia. VOTO 2

ULTIMO – I TUOI PARTICOLARI
Dispiace commentare una canzone così mediocre al secondo posto, ma tant’è. Ci scusiamo con i lettori che sono arrivati fin qui e che magari si aspettano un commento furioso e pieno di critiche o magari entusiastico, ma la banalità del pezzo non ci permette di scrivere nulla di interessante. Ecco: la verità è che questo pezzo non è rilevante, ma è stato votato dalla maggioranza delle persone e dunque è qui. Anche se una domanda ci sarebbe: ma tra tutti i particolari che ti mancano di un ex partner, quando mai si rimpiange l’essere svegliati da un “buu”? VOTO 5

MAHMOOD – SOLDI
Il vincitore di questa edizione, che in questo modo riesce nell’impresa di vincere sia la categoria giovani sia quella classica. Un successo comprensibile, frutto di una canzone musicalmente fresca e piena di interferenze culturali, nonché di un pastiche linguistico arabo che fa la sua porca figura e che, nella sua breve durata, ha un peso specifico notevole. Il testo è una critica drammatica all’egoismo della società che trova nella biografia di Alessandro (questo il vero nome del musicista) il giusto mezzo per emozionare. Tra i tre del podio, senza dubbio, la canzone migliore. Con buona pace del ministro Salvini. VOTO 9

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L’essenziale ritorno dei Save Our Souls rimanda all’alternative anni ‘90 0 92

Si chiama “Esse o Esse” l’album di ritorno dei Save Our Souls (S.O.S.), la band bergamasca capitanata da Marco Ferri (in arte Bruco). Nati nel 1993 su iniziativa del loro fontman, gli S.O.S hanno saputo costruirsi una lunga carriera, segnata da cambi di formazione, intensa attività live, importanti collaborazioni e vittorie di rassegne e festival. Un bagaglio d’esperienza messo a disposizione di questo loro ultimo lavoro, che la band stessa descrive come «schietto e sincero e che rinuncia a fronzoli e orpelli puntando all’essenziale».

Forse gli orpelli ai quali si è deciso di rinunciare sono ammiccamenti all’elettronica o abbellimenti vari in fase di produzione, dato che il disco sembra voler catapultarci ad inizio/metà degli anni ’90 e all’alternative rock di quel periodo.  Negrita, Timoria, il primo Ligabue sono i primi nomi che vengono in mente sentendo le otto tracce che compongono un disco caratterizzato dalla semplicità degli arrangiamenti (nei quali dominano le chitarre), dall’immediatezza dei testi e dalla ricerca di melodie accattivanti. Non mancano, comunque, rimandi a un indie rock più fresco e scanzonato, sorretto da ritmiche più ballabili.

È il caso dell’opening “Venere acida”: un brano dedicato alla Musica, la dea dell’amore con la quale ogni musicista vive un costante rapporto di odio e amore.

Sorretta dai suoi riff poderosi di chitarra, arriva “Non mi fermare”: un inno punk sulla “lucida follia” di chi vuole trasformare la propria passione in un lavoro, non curandosi delle parole di chi invece prova a tracciare limiti.

Fa il suo ingresso l’acustica (che sarà molto presente nel proseguo del disco) nella successiva “E non sai più cosa sei”, brano che parla dell’alienazione, della spersonalizzazione e dell’apatia causate dall’uso (o, meglio, dall’abuso) dei social network e di internet.

Echi di britpop in “Madre”, ballatona già presente nel disco d’esordio (datato 1993) e per l’occasione ri-arrangiata in una nuova veste.

Si rialza il ritmo con “Ancora vivere” in attesa e in preparazione della romantica “Corri Luna”, malinconica ballata sulla paternità che rimanda alle sonorità e alle melodie dei Litfiba nei loro momenti più “morbidi”.

Timoria e Negrita a influenzare la successiva “Ancora un’ora”, che anticipa il brano di chiusura, “Presidente” (già registrato nel 2017 e inserito nella compilation prodotta e distribuita da NDS Music e allegata al mensile Tribuna Magazine). Cambia il tono – più ironico e scanzonato – in un brano che vuole essere un monito: diffidare dai leader dalle facili promesse, figure tanto affascinanti quanto abbindolatrici. Il cantato di Bruco, come per tutto il resto del disco, oscilla tra soluzioni che ricordano un po’ Piero Pelù, un po’ Francesco Renga,mentre alle immancabili chitarre si uniscono sintetizzatori dal sound futuristico.

Si chiude così un disco breve, diretto ed essenziale che, pur senza offrire brani sensazionali o particolari spunti d’interesse, si lascia ascoltare con godibilità. Non particolarmente attuale o innovativo nel suo intento di riprendere sonorità appartenenti al passato (per quanto recente), ma comunque apprezzabile per le sue melodie orecchiabili e il suo discreto songwriting.

Lei contro Lei: i Newdress cantano i due animi del mondo femminile 0 113

È uscito lo scorso 11 ottobre “Lei contro Lei”, ultimo lavoro dei bresciani Newdress, band attiva da più di dieci anni e con sei dischi all’attivo (tre ep e tre lp). Per l’occasione Stefano Marzioli e Jordan Vianello, storici fondatori della band e unici membri ad avervi fatto parte continuativamente sin dalla sua nascita, si sono avvalsi delle collaborazioni – tra gli altri – di Antonio Aiazzi (Litfiba) e del chitarrista Stefano Brandoni,

Con l’immediato ed esplicito intento di rendere omaggio, e di attingere a piene mani, al synthpop e alla electro wave anni ’80 (Duran Duran, New Order) senza tralasciare le sue derive più dark e decadenti (Depeche Mode, Gary Numan), “Lei contro Lei” si propone come un concept album che ruota intorno alla figura femminile. Da Marylin Monroe a Amelia Earhart, da Joyce Lussu a Greta Thunberg: sono tante e diverse le “muse” che hanno ispirato le dieci canzoni che compongono la tracklist dell’album. Positive e negative, perché con questo lavoro l’intento dei Newdress è quello di celebrare l’antitesi fra i due animi opposti del mondo femminile. Un intento ambizioso, ma non particolarmente riuscito. Sia per via di testi non sempre particolarmente a fuoco e in sintonia con il tema principale (si pensi all’opening “Vacanza Dark” o a “Il tipo banale”), sia per la scelta di un sound fin troppo derivativo e non particolarmente brillante per personalità.

Come detto, l’album si apre con l’interlocutoria “Vacanza Dark”, che con i suoi intrecci di tastiere dai suoni futuristici rimanda alle atmosfere di Digitalism e Ou Est la Swimming Pool.

Segue “Overdose in L.A.”, che cerca di immaginare l’ultima travagliata notte della diva del cinema Marylin Monroe. Sebbene sorretta da accattivanti sequenze di synth, poderosi e taglienti, il brano manca d’incisività, complice la piattezza della linea melodica del cantato.

Maggiore presa per le successive – e convincenti – “Pallida” (il singolo, che vede la partecipazione di Stefano Brandoni) e “Freelove Dating”, che parla di relazioni nate sul web.

La politica fa il suo prepotente ingresso nella più riflessiva “L’alieno e la bambina”, nella quale s’immagina un ipotetico incontro tra un visitatore dello spazio (che torna sulla Terra a 2000 anni dal suo primo approdo) e la paladina del movimento ambientalista Fridays for Future Greta Thunberg. Un pretesto per riflettere sui cambiamenti climatici causati dalla sconclusionata gestione delle risorse da parte dei nostri Capi di Stato.

Con la sua intro in stile Eurythmics arriva l’accattivante title track “Lei contro Lei” che, complice la melodia della strofa e la seconda voce al femminile, proprio non può non rimandare ai connazionali Baustelle. Al centro della narrazione del testo c’è lo scontro antitetico tra Lillith e Eva, le due moglii di Adamo.

La successiva “Joyce” vede la collaborazione di Antonio Aiazzi alla voce e alla produzione. Dave Gahan e soci presenti con la loro influenza in ogni nota pulsante di synth, mentre le parole di Marzoli si succedono come una preghiera notturna dedicata alla partigiana, scrittrice e poetessa Joyce Lussu.

È invece Amelia Earhart, prima donna ad aver sorvolato l’Oceano Pacifico, la protagonista de “Il Rumore di te”, che aggiunge poco a quanto già sentito in precedenza.

Segue la banale “Il tipo banale”, che potremmo riassumere parafrasandone il testo: “Le tastiere? Sempre uguali. La batteria? Sempre uguale. Le atmosfere? Sempre uguali.”

Terza collaborazione del disco per il brano di chiusura, “Bolle di sapone”, che si avvale del featuring di Diego Galeri alla batteria. Questa volta a essere cupenon sono solo le atmosfere ma lo è anche il soggetto del brano, che racconta una storia di credulità e magia, ignoranza e cupidigia, sentimenti e istinti primitivi, mortificazioni e dolore. Protagonista di questa macabra canzone è la serial killer Leonarda Cianciulli, nota come la “saponificatrice di Correggio”.

In definitiva “Lei contro Lei” si dimostra un disco riuscito solo in parte. Le melodie e i testi – solo a tratti particolarmente ispirati – lasciano intravedere l’indubbio potenziale di una band con una storia e un percorso di tutto rispetto. Ma l’idea di riproporre un sound sentito e risentito negli ultimi dieci anni (senza personalizzarlo o portarlo avanti in qualsiasi altra direzione) non giova a un lavoro che finisce per incartarsi nel suo stesso manierismo. Il tutto senza mantenere neanche una piena coerenza con l’idea di concept album. La seconda metà della prima decade degli anni 2000 è passata da un po’ e cavalcare l’onda di un revival ormai quasi del tutto sopito è una scelta che lascia il tempo che trova, per quanto nobili possano essere le influenze alle quali si vuole attingere. 

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