“Labirinti umani”: l’esordio di Mattia Previdi in bilico tra mainstream e solido songrwiting 0 216

S’intitola “Labirinti umani” il disco che segna l’esordio del modenese Mattia Previdi. Un lavoro autoprodotto che, con le sue 9 tracce (cifra inconsueta per una tracklist, ma scelta deliberatamente dal cantautore in quanto simbolo del compimento di un ciclo) si concentra su tematiche universali quali relazioni umane e amore. Un amore declinato secondo diverse prospettive: si parla di relazioni tossiche, di vizi e tentazioni, di amicizia, della forza di una madre che perde un figlio, di tradimenti, dell’abbandono e infine della dolcezza di un amore romantico e platonico. Il tutto senza farsi mancare un’ironica e allo stesso tempo amara considerazione nei confronti di una società che tende a privarci di quella stessa umanità che si pone come fulcro tematico di questo lavoro.

Da un punto di vista sonoro i riferimenti sono freschi e attuali, anche se non particolarmente originali. I testi di Previdi si vestono di arrangiamenti perfettamente in linea con un certo pop da classifica (Marco Mengoni, Michele Bravi, Francesca Michielin, Annalisa), nonostante la produzione – come detto, “fai da te” – non sempre riesca a replicare gli stessi standard di pulizia e precisione.

Si parte con “Labirinti umani”, brano che racconta la logorante ricerca di se stessi nell’altro che ognuno di noi porta avanti mentre s’inoltra nell’intricato dedalo di rapporti, conquiste, perdite, abbandoni e conflitti della nostra esistenza. Le atmosfere malinconiche e le melodie dirette ed efficaci si pongono come una dichiarazione d’intenti chiara e precisa che anticipa il canovaccio seguito con i brani successivi.

Come, ad esempio, in “Resta come sei”: ballata guidata dal pianoforte elettrico e da un cadenzato beat di drum machine che rimanda, anche per il cantato delle strofe, ai più recenti successi di Coez.

Segue la suadente “Siamo in due o siamo in tre”, con la quale il cantautore racconta il lento sgretolarsi di un rapporto precario e vulnerabile, minato dall’infiltrarsi subdolo di vizi e tentazioni di vario genere.

Ma è con “Diana” che le ottime capacità di narratore di Mattia escono allo scoperto, in un brano dall’animo contrastante: ballabile e immediato per melodia e sonorità, tragico e disperato per contenuti.

E dopo aver raccontato la storia di una madre che cerca di farsi forza e ripartire dopo la perdita di un figlio suicida, Mattia torna a parlare di se con un brano intimo e personale dal titolo “Crolla il tetto”. Altra ballad dal ritornello orecchiabile e dall’arrangiamento attuale e moderno.

Nella successiva “Forse un altro uomo” si affronta il tema dell’incomprensione e dell’attesa perpetua di un ritorno che, in fondo, si è consapevoli  non avverrà.

“Tieni il resto se vuoi” è un brano elettro pop che alza il ritmo e strizza l’occhio alla dance anni ’90, pur mantenendosi ben saldo all’interno di uno contesto sonoro che non vuole mai perdere d’attualità.

Una parentesi più movimentata che traghetta l’ascoltatore verso un’altra ballata: “Distante”, la prima canzone scritta e arrangiata da Previdi.

La chiusura del disco è affidata alla convincente “Nella mischia”, canzone dall’abito elettro-dance che con amara ironia riflette sulla mancanza di autenticità, di libertà e d’identità in una società ormai schiava dell’apparire.

“Labirinti umani” è un lavoro onesto e diretto, senza particolari pretese artistiche o chissà quale voglia di sperimentare, ma con una profonda conoscenza delle tendenze commerciali del momento. Con l’intento chiaro e preciso di dar vita a una raccolta di potenziali hit radiofoniche (ed effettivamente ciascuno dei brani ha tutte le carte in regola per esserlo), Previdi realizza un disco che scorre veloce e godibile, consegnando melodie di sicura efficacia e capaci di insinuarsi nella testa dell’ascoltatore anche solo dopo un primo, rapido, ascolto. Sicuramente un punto di forza per un artista che imbocca dichiaratamente la strada del pop (anche perché, contemporaneamente, la scrittura si dimostra solida e non banale). Tuttavia andrebbe aggiunto che un album, che non sia un greatest hits, non consiste in una mera collezione di singoli. Ed è questa la critica principale che si può muovere a quella che, comunque, nel complesso si può considerare una piacevole opera prima. 

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Once Liam Gallagher, forever Liam Gallagher 0 151

I live for now, not for what happens after I die

Vivo per l’oggi, non per quello che succederà quando morirò”. Esordiva così davanti ai giornalisti, con una delle sue solite massime, l’Oasis nostalgico: Liam Gallagher. Un continuo susseguirsi di atteggiamenti “ribelli” per creare quel personaggio duro e rock ‘n’ roll che è rimasto impresso nell’immaginario di tutti noi. Ma Liam è davvero così?

Torniamo un attimo indietro al 2009. Quell’anno, per un fan sfegatato degli Oasis, è stato un colpo al cuore; come perdere un parente caro. Da quel momento in poi i fratelli Gallagher si divisero, ognuno andò per la sua strada accompagnato dal proprio ego e dal forte orgoglio che li contraddistingue. Un sentimento eccessivo che sembra appartenere sempre meno al fratello più piccolo, Liam. Dal 2009 sono successe molte cose nelle loro vite: entrambi, senza ripensamenti, hanno portato avanti la propria carriera musicale. Noel iniziò a esibirsi da solista e nel luglio del 2011 formò “Noel Gallagher’s High Flying Birds”. Nel caso di Liam sono stati tre gli avvenimenti degni di nota: per iniziare, i successi maggiori rispetto a quelli del fratello; un documentario con grande consenso e una figlia incontrata dopo vent’anni. Tre elementi che hanno mostrato un Liam Gallagher diverso da quello che ci mostrano continuamente i media e da quello che lo stesso ha mostrato – per questioni d’immagine, probabilmente – nel corso degli anni.

noel gallagher liam gallagher

Il suo ultimo lavoro, “Why me? Why not?”, è un album che mostra un uomo sensibile e soprattutto nostalgico di un passato che non ritornerà – e lo sa bene – ma che continua ad apparire come una costante nella sua vita, influenzandola sempre di pi, non solo professionalmente parlando. “Why me? Why Not?” è un disco pieno di amore e di odio e un esempio è la traccia “One of Us”: una canzone con un testo indirizzato a una persona che gli ha chiuso le porte in faccia. Piena di riferimenti alla famiglia, all’amicizia e al senso di appartenenza; non può che far pensare a Noel, il fratello che non vuole riunire gli Oasis; lo stesso che ha alimentato un lungo litigio mediatico per le tracce musicali degli Oasis nel documentario su Liam: As it Was. Per voi chi è il fratello arrogante e odioso?

Dal documentario si nota – ed è normale direi – un certo risentimento di Liam nei confronti di Noel e, allo stesso tempo, sommando quanto detto dallo stesso durante le interviste e attraverso i propri testi, ciò che emerge è un Liam diverso da quello che credevamo. Ogni brano del suo ultimo lavoro rafforza questa teoria ma uno su tutti risalta la tesi: Once. La traccia, presentata per la prima volta attraverso il documentario, mostra un aspetto caratteriale a tanti sconosciuto e da molti mal interpretato. Once è sentimentalità, romanticismo, fragilità e soprattutto riflessione; una delle canzoni migliori di Liam a detta dello stesso.

Il testo narra di un ritorno al passato, ai momenti che non si ripetono e che vorresti ri-concretizzare dopo anni, con l’illusione e la speranza che tutto possa ritornare come prima senza distorsioni dettate dai cambiamenti che il passare del tempo comporta. Un pezzo che abbandona l’arroganza riscontrabile in molti testi del cantautore inglese e, soprattutto, un brano che probabilmente l’allontanerà sempre di più. Un profondo e ulteriore sguardo al passato; all’adolescenza, agli amori, a quando i rapporti con Noel erano buoni. Una canzone con la C maiuscola che rimanda alle ovvie influenze Lennoniane, alle atmosfere di Wonderwall e, purtroppo per lui, a quel che stato è che mai più sarà…

It was easier to have fun back when we had nothing
Nothing much to manage
Back when we were damaged
Sometimes the freedom we wanted feels so uncool
Just clean the pool
And send the kids to school

Questa è Once e chi la canta è il vero Liam.

“L’ufficiale e la spia”: l’affresco storico di Polanski che guarda al presente 0 176

«Bisogna conoscere la storia per capire il presente e orientare il futuro».

È come se Roman Polanski con il suo ultimo, attesissimo lavoro, “L’ufficiale e la spia” (dall’originale – e più efficace – “J’accuse”), avesse voluto far propria questa massima di Tucidide. L’ufficiale è Georges Piquart (Jean Dujardin), capo della sezione di controspionaggio dell’esercito francese, la spia – o presunta tale – Alfred Dreyfus (Louis Garrel),  capitano ebreo-alsaziano che nel 1894 venne accusato di alto tradimento e condannato alla prigionia (da scontarsi in isolamento sulla disabitata isola del Diavolo).  

C’è, dunque, il celeberrimo “affaire Dreyfus”, passato alla storia come uno dei più clamorosi e controversi casi politico-giudiziari, alla base del racconto di Roman Polanski (che di processi penali dal forte risalto mediatico ne sa pur qualcosa).  E, infatti, non poche polemiche hanno accompagnato la partecipazione del film alla 76esima Mostra del Cinema di Venezia (alimentate anche dalle dichiarazione del presidente di giuria Lucrecia Martel). Polemiche che, però, non hanno impedito a “L’ufficiale e la spia” di portare a casa un prestigioso Leone d’Argento. Premio più che meritato, a ben vedere. Perché dopo un paio di prove sottotono (su tutte il non troppo ispirato thriller psicologico “Tutto quello che non so di lei”) Polanski torna a regalarci un grandissimo film: granitico, elegante, impeccabile. Un film degno di un cineasta del suo livello.

La narrazione scorre lungo i suoi 126 minuti di durata senza mai gravare lo spettatore, per poi sfociare, verso il finale, in un trascinante crescendo.  La sceneggiatura è inattaccabile, la messa in scena semplicemente fantastica. Dagli sfarzosi – eppure sempre algidi – palazzi del potere, ai polverosi e decadenti interni (gran parte del film si consuma in uffici, appartamenti, aule di tribunali), fino ad arrivare ai bellissimi costumi. Tutto è riprodotto con la più grande dovizia di particolari e il più meticoloso rigore storico. C’è quasi un piacere tattile, poi, nell’osservare i personaggi maneggiare documenti, faldoni, telegrammi e scartoffie varie (presenti in quasi ogni scena del film). Grande esempio di sinestesia cinematografica.

Un’opera di ampio respiro, dunque, che si pone in netta discontinuità con i recenti lavori, più “chiusi” e d’impronta quasi teatrale, “Carnage” e “Venere in pelliccia”. E a sorprendere è che un film del genere arrivi da un regista ormai pluri-ottantenne.  

Polanski si serve di uno dei più famosi errori giudiziari della storia, adattando l’omonimo romanzo di Robert Harris (con il quale aveva già collaborato ne “L’uomo nell’ombra”), per concentrarsi su temi di assoluta attualità come la manipolazione delle notizie, la violazione delle libertà personali da parte dei governi, i nazionalismi, l’odio razziale. In tempi di fake news e di sorveglianza di massa, di rinnovato apprezzamento per le destre e di sovranismi, ecco che il racconto di un caso di fine ‘800 si presta come strumento ideale per «capire il presente e orientare il futuro». Perché l’affare Dreyfus, che si concluse con la (seppur lenta) riabilitazione dell’innocente capitano, ci insegna a perseguire ideali di verità e di giustizia, anche andando contro i poteri precostituiti. A obbedire alla legge interiore che fa capo alla nostra morale e non a quella terrena imposta dall’autoritarismo dei nostri governi.

È quello che farà l’ufficiale Piquart che, come Polanski evidenzia in più di un’occasione, conosceva a malapena Dreyfus. Di certo non vi era legato da simpatia o amicizia, tutt’altro. Seppur pervaso da quel sentimento radicalmente diffuso di antisemitismo (sotto questo aspetto la Francia di fine ‘800 ci viene presentata come un’incubatrice di odio razziale, una polveriera pronta a esplodere nell’orrore che una trentina di anni più tardi sboccerà in Germania) il capo dei servizi segretifrancese metterà a repentaglio la propria carriera, la propria immagine e addirittura la propria vita. Perché così dev’essere. Perché questo si richiede a un uomo giusto, che persegue il vero, che ama il suo Paese a tal punto da andare contro coloro che lo guidano nella maniera più abietta e ignobile .

Nell’affrontare temi sociali così urgenti Polanski riesce comunque a realizzare un film estremamente intimo e personale. Perché quell’odio antisemita verso il quale si grida «J’accuse!» lui l’ha vissuto sulla propria pelle (e poi raccontato meravigliosamente con “Il pianista”). Così come ha vissuto sulla propria pelle le conseguenze destabilizzanti di certe vicende penali, seppur non viziate da errori giudiziari. E anche in questo si ritrova la grandezza di un film dal sapore classico, che è espressione di grande cinema. Così come lo è stata tutta la carriera di uno dei più grandi maestri di quell’arte che proprio negli stessi anni e nella stessa Francia di Dreyfus nasceva.

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