Nada, tutta se stessa nel suo “È un Momento Difficile Tesoro” 0 663

Nada Malanima (in arte Nada), “un pezzo di storia della musica italiana”, è tornata dopo tre anni con il suo nuovo album: “È un Momento Difficile Tesoro. In realtà, quando si parla di artisti del calibro di Nada, annunciarla con un “è tornata” non è tanto corretto; sulla scena è sempre presente, lo è dal ’69 e dal cuore e dalla mente degli italiani non è mai andata via. Ammettiamolo, cerchiamo sempre una scusa per mettere a tutto volume brani come Amore Disperato, Ma che freddo fa, Senza un perché, e così via… Ecco, lei è sempre presente, e lo sta dimostrando nuovamente con le dieci tracce del nuovo album, registrate a Bristol, con la collaborazione di John Parish e Pete Judge. I rapporti con Pj risalgono a “tutto l’amore che mi manca” (2004), una collaborazione duratura che conferma un sound coerente con quello del passato.

L’album è stato anticipato dal singolo Dove sono i tuoi occhi, una traccia che in maniera molto più matura ed evoluta, conferma quanto detto prima: il sound di Nada, quello delle origini, è ancora qui. A me personalmente rimanda a Senza un perché, il famoso brano reso ancora più celebre grazie alla serie The Young Pope di Sorrentino. Mentre, per capire davvero cosa dovremo aspettarci da questo nuovo lavoro, bisogna ascoltare il secondo singolo; che non a caso ha lo stesso titolo dell’album: “È un Momento Difficile Tesoro”. La stessa cantautrice, con le seguenti parole, considera il brano come il “tema di questo lavoro”.

È la canzone che con una triste ironia, nel suo avanzare con quel portamento di due soli accordi
trascina in una camminata elettrica che non si ferma mai continuando a girare intorno a se stessa.
Io, la disperata protagonista di questo girone infinito, chiedo di aiutarmi a ritrovare quel po’
di calore e di umanità che mi faccia uscire dal cerchio delle conquiste ad ogni costo e da
questa fredda attualità che non mi fa stare bene.

Un’attualità che non fa stare bene, raccontata in prima persona attraverso tanta sincerità, consapevolezza e con l’ausilio di “due soli accordi”; perché non bisogna girarci troppo intorno, complicare le cose, fare lunghi e complessi discorsi: è un momento difficile, lo sappiamo. Questo è un tema ricorrente in molti artisti contemporanei, perché siamo consapevoli della situazione e proviamo a uscirne. Loro attraverso l’arte, noi attraverso loro.

Si tratta di un album molto interessante soprattutto dal punto di vista testuale; ogni parola sta al punto giusto, nulla è casuale. La prima conferma arriva dalla traccia intitolata “All’ultimo sparo; ai nostri tempi l’amore, insieme a tutti gli altri sentimenti positivi, è tra le poche cose che ci restano per andare avanti: e allora facciamoci travolgere da esso, dal ritornello e “dall’amare finché puoi, ancora e ancora, e riprovarci sempre. Sempre”. E quando ci sentiremo soli, con quella voglia di fuggire da tutto ciò che ci circonda, potremmo andare in vacanza; magari soltanto Due giorni al mare. E chissà, lì potremmo innamorarci ancora, come dice Nada nel brano; attraverso un lento groove e una carismatica personalità. A volte due giorni di relax bastano, a volte no, e se il periodo non passa sfogarsi con qualcuno farà sempre bene; parlare è importante. In O Madre, la cantautrice fa proprio questo; racconta, attraverso una voce struggente e lamentosa il suo vissuto a sua madre. Parlando degli errori fatti, delle ferite, di quelle ancora aperte e di quelle cicatrizzate, ritrovando l’unica forza della sua vita nella mamma. “Tu sei la forza che rapisce questa mia unica debolezza. E non c’è nulla di meglio che parlare con qualcuno che in fin dei conti, non ti giudicherà mai male.; soprattutto quando ti vede Disgregata. Quest’ultimo brano menzionato individua una Nada sperimentatrice, con uno sguardo alle radici e allo stesso tempo in costante evoluzione; merito anche della produzione, di una collaborazione nata quindici anni fa e che sicuramente si sarà consolidata nel tempo.

E quando ci troveremo disgregati, non potremo far altro che pensare e ripensare a come andare avanti. Poi di colpo però, stop! Ci accorgiamo che la soluzione potrebbe essere già nella nostra testa; nel pensiero che buca il cielo e trova un posto dove rinasceremo; in Stasera non piove. Il brano dell’album che mostra più influenze rock-blues rispetto alle altre. Fuori non piove e quindi avviamoci, saliamo in macchina e partiamo con attraverso un ritmo veloce batteria e una chitarra distorta, diventando delle Macchine viaggianti. Andiamo e viaggiamo contro il tempo che frena ogni sentimento; un tormento che non ti lascia respirare.

Hai ragione, non c’è più ragione; per anni e anni, per giorni e giorni, cammino piegata.

Stop. Lavori in corso, abbiamo perso la strada. Non sappiamo cosa fare, dove andare, ma sappiamo di cercare una precisa atmosfera, un bacio su una guancia o una tenera carezza. Questo percorso è incerto ma carico di speranza, in fondo si tratta soltanto di lavori in corso. Prima o poi rinasceremo, l’amore tornerà; magari sotto le sembianze di un Angelo caduto dal cielo. Un brano quasi liturgico eseguito attraverso un organo e una tromba, con qualche parte psichedelica (ma questa forse la sento solo io, sorry) e un significato che funge da finale in questa storia di vita durata dieci brani: dobbiamo andare avanti, cadere e rialzarci sempre, fin quando non troveremo il nostro posto; la nostra dimensione.

Tirando le somme: Nada è la Nada di sempre, in quest’album ha messo tutta se stessa e la vita; il suo passato, il presente e le speranze per il futuro, senza modificare in modo radicale nulla nel suo modo di essere e soprattutto nel suo sound. Per superare momenti difficili basta avere coraggio, forza ed essere se stessi.

Foto di Claudia Pajewski

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“Love and Rain”: Savage ci riporta negli anni ’80 0 224

1984, 2010, 2020.
Il debutto, la fase di mezzo e il ritorno di Roberto Zanetti; in arte Savage.

Chi è Roberto? Se ci avessero fatto questa domanda nella sua “era”, nei magici anni ’80, un’occhiataccia dettata da un “ma davvero non sai chi sia?” ci sarebbe arrivata. Ma adesso, a distanza di trentasette anni dal suo debutto, in un periodo storico totalmente diverso, ci sentiamo in dovere di rispondere tranquillamente. Roberto nasce a Massa nel 1956, inizia la sua carriera con diversi gruppi (Fathima, Pronipoti Sangrìa, Santarosa e Taxi), partecipa a diverse trasmissioni ottenendo numerosi successi e collabora da anni con artisti di un certo spessore: tra i tanti, Zucchero. Mi piace definire questo artista come il Giorgio Moroder dell’italo-disco e dell’eurodance. Inizia la sua carriera nel 1983 e, un anno più tardi, pubblica il suo primo album: Tonight (1984). Da quel periodo in poi inizia la sua ascesa: conosce Zucchero, produce, cavalca l’onda della musica house e lancia alcuni artisti di grande successo come Alexia. Nel 2010, a distanza di 26 anni dal primo, pubblica il suo secondo album (anche se definirlo così è errato; si tratta di greatest hits: Ten Years Ago (2010), fermandosi in seguito per altri dieci anni e ripresentandosi oggi con il suo ultimo lavoro: Love and Rain (2020). Quest’ultimo, presentato a San Valentino attraverso il singolo I Love You, è un omaggio agli anni ’80, un regalo ai nostalgici, un passato che si ripropone andando a creare i famosi nostalgici di un qualcosa che non si è vissuto; gli anni ’80 hanno questo potere.

Love and Rain è un lavoro composto da sedici canzoni; quelle che a parer nostro basterebbero per creare una serata degna di tale nome nelle attuali discoteche italiane. L’album viene definito scherzosamente dall’artista come guitar free, per il fatto che non sono state usate chitarre in nessuna canzone. Sono presenti violini veri che si sposano perfettamente con l’elettronica pop, creando il sound romantico di Savage. Un disco dove canzoni d’amore e malinconia vanno alla ricerca del tipico sound elettro-pop contaminato da batterie elettroniche e sintetizzatori. Con una copertina che rimanda al Viandante sul mare di nebbia di Caspar David Friedrich: un uomo in abito nero, di spalle, con le mani in tasca e lo sguardo rivolto in avanti, verso l’alto. Tanti sono i significati e, personalmente, a noi piace attribuire quello del piacere del viaggiare, della scoperta. Un viaggio a ritroso nel tempo fino ad arrivare negli anni ’80; una scoperta per alcuni, un ritorno al passato per molti altri. Un’arma per andare avanti data dall’esperienza di anni che non abbiamo vissuto ma che possiamo vivere attraverso questo lavoro.

Quindici inediti, sommati alla versione sinfonica del suo più grande successo dal titolo Only You, danno vita a questa capsula del tempo. Viaggio che ha inizio attraverso una breve e romantica introduzione, Every second of my life, caratterizzata da violini e da una voce struggente. Dal secondo brano in poi si entra, di colpo, negli anni ’80: Don’t say you leave me è questo; un uomo cade dal cielo, dal futuro, trovandosi di colpo nelle atmosfere pop sinfoniche degli anni ’80. Atmosfere che faranno da sfondo a tutti i brani presenti in Love and Rain, senza rendersi mai banali e presentandosi prive di scontatezza. Sound, che dalla prima alla sedicesima canzone, si offre a diversi temi. Come quello dell’amore, presente nella maggior parte dei brani e in diverse forme. L’amore che crea delusioni (Alone); che riappare dopo anni sotto forma di ricordo (Remember Me); che dà vita a un tributo (Italodisco); che si dichiara per la prima volta (Your Eyes); e l’amore per ciò che ci circonda, per la vita, per il nostro ambiente: “We are the future”.

Un eterno romantico. Un uomo che attraverso la sua musica ha il potere di far innamorare una nuova generazione e, soprattutto, la possibilità di consolidare il rapporto con chi quel periodo lo ha vissuto davvero, dicendogli: “nulla è andato”. Ri-accendendo speranze che da trent’anni a questa parte sembrano svanite. Savage è questo: una donna che si culla tra le braccia di un uomo sotto una luce stroboscopica; un abbraccio nel tempo, tra gli anni ’80 e i 2000 inoltrati. Tra le speranze di allora e le consapevolezze di adesso, ma con la forza necessaria per andare verso l’ignoto.

“Romantica Io”: Pia Tuccitto scrive una pagina del rock italiano 0 417

D’amore e ombra – come il titolo di un famoso romanzo di Isabel Allende -: è di questo che parla “Romantica Io“, l’ultimo album di Pia Tuccitto, rocker bolognese dall’animo nobile. Il lavoro, uscito il 31 gennaio e interamente autoprodotto, è figlio della poliedricità di questa grande artista che ne ha curato ogni minimo dettaglio, dalle musiche ai testi, passando per la copertina. Cantautrice, pittrice, protagonista/deuteragonista/voce dello spettacolo Ioelei, messo in scena con la compagna di palco Federica Lisi, la sua carriera parte nel 1993 quando, dopo la partecipazione al festival Nuove Voci di Castrocaro, viene notata da Vasco Rossi che ne apprezza il talento e la invita a far parte della sua scuderia. Da qui nasce un sodalizio artistico che la porta a scrivere per interpreti del calibro di Patty Pravo, Irene Grandi e lo stesso Vasco.
Romantica Io” è l’opera terza ed esce a quindici anni di distanza dall’album d’esordio “Un segreto che” e a dodici da “Urlo” prodotto da Frank Nemola e Guido Elmi per l’etichetta Bollicine/EMI Capitol Music. Questo lavoro è un compendio: racchiude l’essenza di dodici anni di “inattività” discografica che sono stati invece ricchissimi dal punto di vista artistico e amoroso. L’amore, appunto, è il filo conduttore dell’album e  viene declinato in tutte le sue forme. Alla realizzazione e alla limatura hanno partecipato: Corrado Castellari in veste di autore delle musiche di due brani, Bettina Baldassarri, Luca Bignardi che ha curato l’arrangiamento di sette brani e Frank Nemola che ha arrangiato i restanti quattro brani.

Romantica io” (title track) è il brano d’apertura, la dichiarazione d’intenti di un lavoro perfettamente messo a fuoco da un’artista matura. Questa maturità artistica corrisponde – mutatis mutandis – ad una maturità sul piano amoroso e questo è chiaro già nell’incipit del brano: “io per amarti son dovuta invecchiare”. Così com’è chiara, sempre dalle prime battute, l’attitudine rock dell’artista bolognese che non usa espedienti o mezzi termini: “io per amarti ti ho lasciato suonare la mia chitarra da rocker”.  Il graffio nella voce ricorda molto Patty Pravo, ma anche e soprattutto Irene Grandi in “Colpa del Lupo”. L’influenza è evidente e non per via di una supponente forma di pareidolia, per la quale noi che recensiamo siamo tenuti a ricondurre il tutto a qualcosa di conosciuto.

Atmosfera cupa e onirismo in “Come nei films”. Il sound distorto e la voce sensuale ci danno l’abbrivio e ci trasportano all’interno di un racconto di un amore immaginario. Un amore senza confini e che attraverso la voce e le parole cerca la sua reificazione. L’inizio ricorda molto “Tre volte dentro me” di Mina e Afterhours.

L’animo rock emerge prepotentemente in “Com’è bello il mio amore”. La chitarra e la batteria seguono un ritmo preciso e martellante e accompagnano la voce fino all’esplosione nel ritornello. Questo brano è l’essenza del disco.

La chitarra lascia il posto alla tastiera nell’intento di ricreare una precisa atmosfera malinconica. “Perché tutto muore” è un brano ricco di pathos e dal carico emozionale abnorme. Parla dell’amore che finisce, di un sentimento nocivo e logorante che si dissolve nel vento come il fumo di una sigaretta che si spegne e ti lascia un imperituro amaro in bocca.

My Radio” ci riporta agli anni ‘80 quando il binomio dance-rock dava vita a spettacoli corali allietati da gioie lisergiche. Allora l’avanguardia era definita new wave e sfociava spesso in quello che profanamente veniva chiamato alternative rock. In questo pezzo vengono fusi assieme Neil Tennant, Freddie Mercury e Patty Pravo e il risultato è sorprendente. È il pezzo che continui a cantare per tutto il giorno e che provoca l’orchite/colpite a tutti quelli che ti stanno accanto.

Il sesto brano non ha bisogno di presentazioni. Si tratta di “E…”, pezzo scelto e portato al successo da Vasco, che l’autrice riabbraccia come un figlio che ha vissuto all’estero e non vedeva da tempo. Questa è la dichiarazione d’amore per eccellenza, priva di perifrasi e circonlocuzioni (che poi sono la stessa cosa).

Tu Sei Un Sogno Per Me” è il leitmotiv che accompagna lo spettacolo Ioelei messo in scena dall’artista insieme a Federica Lisi. Si tratta di un brano intimo e sincero che si fa colonna sonora di un amore, di una vita, di un viaggio.

L’eterogeneità di stili e generi è esplicitata in “Sto benissimo”: l’inizio in stile Subsonica lascia presto il posto al graffio della chitarra elettrica che sposta il focus è riporta il brano nell’alveo del rock puro e grezzo. L’armonia di chitarre e batteria è perfetta, come in tutto il resto del disco.

Stupida per te” ha l’incedere lento e malinconico di una classica ballad. Questo è la riprova che questa grande artista – come ogni grande artista – non si focalizza su un unico genere, ma spazia all’interno di un ventaglio di stili e generi che le appartengono tutti.

Nel disco c’è spazio per una sorta di intermezzo: “Quante volte sono da sola con te”. Ancora una volta è forte, oltre che necessario, il richiamo a Mina. Si tratta del pezzo più breve dell’album, ma che – per l’icasticità delle immagini che evoca – risulta uno dei più intensi.

Il brano che chiude l’album è “7 aprile”, pubblicato precedentemente in un Ep nel 2013. Si tratta del pezzo mancante, quello che completa e sublima il puzzle. È un brano ricco di colori e sfumature: la chitarra acustica presente all’inizio del pezzo viene sostituita e sovrastata da quella elettrica nel ritornello. La natura multiforme dell’album emerge in modo prepotente in questo brano.

Pia Tuccitto ha scritto un’altra pagina importante del rock italiano. La sua maturità artistica è la vera chiave di volta di questo grande album: la cura minuziosa di ogni dettaglio, l’attenzione e l’oculatezza di ogni singola scelta – dalle parole alle musiche – sono i due ingredienti di questo cocktail perfetto. Rimanendo in campo alcolico si potrebbe dire che sia come il vino che col passare del tempo migliora!

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