“Requiem”, Claver Gold celebra il funerale del suo passato con un album da urlo 0 3081

L’album è una liturgia del rapper ascolano in ricordo di un passato defunto a carico della memoria, il dazio da pagare al passaggio tra tutto ciò che è stato e tutto quello che può essere raccontato  

Il 30 novembre 2017  Claver Gold celebra il suo personalissimo funerale al ricordo del suo passato rilasciando “Requiem”, terzo album in studio pubblicato con la “Glory HoleRecords.
L’album è uscito a due anni di distanza da “Melograno”, seguito da un lungo tour che si è chiuso lo scorso mese. L’impegno dovuto ai live non ha tenuto il rapper lontano dai fogli, costantemente accompagnato dal suo storico compagno di viaggio Dj West, che ha curato i beats e le produzioni del nuovo album.

Il “Requiem” è nella tradizione cattolica una messa celebrativa in memoria dei defunti, spesso recitata durante un evento funebre. Come insegna Dante nella Divina Commedia, anche nella religione cattolica è consolidata la convinzione che preghiere e ossequi in memoria del defunto possano abbreviare il suo passaggio dal Purgatorio al Paradiso. Se questo è il concept che ha spinto Claver a lavorare ad un album che conta una tracklist di 17 pezzi (tra cui numerose e importanti collaborazioni con personaggi illustri della scena rap italiana), allora questa è la testimonianza di chi guarda avanti senza scordarsi da dove arriva, quali sono i peccati che ha commesso, e quanto è costato il rispetto guadagnato fino ad ora. Un auto-confessionale in cui metaforicamente è la musica a fare da sacerdote, e alla quale Claver confida tutto: dall’inferno della provincia al riconoscimento dalla scena e dalla critica, il prezzo della coerenza di chi non fa rap per soldi e successo, i problemi con la droga e i drammi del suo vissuto travagliato.

Il rapper si è da sempre distinto per una metrica intimista e un flow molto introspettivo, che trovano il perfetto connubio con il lavoro di Dj West.
Questo disco è stato prodotto nel 2017.
Questo disco è stato prodotto nel 1997.
Questo disco è stato prodotto nel 2037.
Tutte e tre queste affermazioni potrebbero essere vere: ad ogni traccia il capo va ancora su e giù pompando i muscoli del collo come una volta; le strofe, oggi come allora, raccontano di drammi esistenziali, ma con un lessico evoluto, più che maturo, istruito, ed una ricchezza di allegorie e figure retoriche da invidiare. Sono pochi gli artisti che sanno narrarsi in maniera trasparente lasciando che tutto il proprio malessere impollini le orecchie dell’ascoltatore fino a farlo rivedere in ognuna di quelle storie, in ognuna di quelle paranoie, somatizzando ogni cicatrice come fosse la propria. Claver Gold si scontra con la sua autocoscienza e si supera ancora una volta di certo; noi ascoltiamo la sua vita e impariamo a distinguere gli errori (in questo disco forse è il caso di chiamarli peccati) senza averli commessi.

La copertina del disco

Il disco si apre con un intro di tutto rispetto. Dies Irae è il portale dell’anima, la formula spirituale con cui Claver si apre ai fantasmi che ritornano nel presente. Recitata più che cantata dall’ eccelso Murubutu, metà in latino, come pro forma, e metà in italiano. Come suggerisce il titolo, che non è solo un riferimento, ma una vera e propria trasposizione del verso biblico, l’introduzione rimanda al giorno del giudizio, in cui tutte le anime verranno giudicate e i buoni saliranno in Paradiso, mentre i peccatori saranno dannati per sempre. In questi pochi versi è racchiuso il concept di tutto l’album, ma Murubutu è chiaro nel precisarne le intenzioni:
“Questo è tutto per quello che è stato/per ciò che ci han dato, per ciò che è passato/niente nell’ombra è passato realmente/tutto ritorna, è un eterno presente”.

 

“Ballo coi lupi” è la traccia più “leggera” dell’album. Claver racconta da dove viene, cosa succedeva nei giorni del suo quartiere, in maniera a tratti amaramente autoironica, fino al primo incontro con la droga, e la sua fuga nella terza strofa. Senza concentrarsi troppo, chi è attento saprà ritrovare anche quello che a me sembra un props non troppo scontato.
Il singolo che ha anticipato di un mese l’uscita dell’album è “La notte delle streghe”. Il video è stato rilasciato il 31 ottobre ( niente è mai un caso ), piazzandosi finanche nella classifica delle tendenze della settimana. Onestamente, direi: uno schiaffo per chi è ancora dietro a quella storia secondo cui  “il vero hip hop è morto, ecc..”. Io credo che esista una sola verità: c’è chi crede in una cultura, e chi non ci crede. Chi ha fede, fa hip hop, gli altri fanno i soldi.
La traccia è fitta di allegorie dal gusto esoterico rispetto a quella che per un uomo è la regina delle tentazioni: le donne. Le conseguenze di una discesa nel girone delle notti di città sono l’ansia, la paura, il disagio, sostenuti dal beat cupo e tetro di Dj West. La donna-strega che porta all’autolimitazione, al timore di sentirsi completi, è la dipendenza dell’uomo dal male e l’autodistruzione.

“Butta la croce, abbraccia il male spirituale come il grande caprone di Goya/corpi dati in pasto ai corvi in fila sulla mangiatoia/tagliami la lingua con una cesoia e tirerò le cuoia/tanto so che torneranno anche solo per noia”

Il flow e le liriche ricordano quasi le filastrocche sulle figure immaginare che abitano le case nell’oscurità della provincia raccontate ai bambini. Il senso forse è proprio questo: è da bambini che ci si sente disarmati, e il mondo fiabesco dell’innocenza e della purezza deve scontrarsi anche con la dimensione delle paure più profonde. Per il resto, un semplice vocabolario forse non vi basterà per capire quanta cultura c’è dietro i testi di Claver.
Quella successiva potrebbe essere con stretto margine di discrezione la traccia più bella dell’album. Il malessere sincero che si diffonde dalle parole è un grido di rivolta a un destino infedele. “Ricordati di ricordare” necessita di un equalizzatore specifico che possa rendere giustizia alla malinconia e ai suoi bassi. Si pensi a questo pezzo come la nemesi di “Soffio di lucidità” (quinta traccia di “Mr. Nessuno”, 2014, Glory Holes), da lui stesso citata nel pezzo.

“Tu fammi veglia nell’ombra dei fossi/risplendi come l’alba lacrimando ad occhi rossi” (Soffio di lucidità)
“Tu dipingevi la parete e scendevi le scale/bella come il cielo di Norvegia, luce boreale” (Ricordati di ricordare)

Claver Gold non è un artista di facile ascolto se non si sono seguite le fasi che l’hanno portato a essere ciò che è oggi. È possibile che la nostalgia razionalizzata di questo brano sia proprio il risultato di una lucidità ritrovata a caro prezzo. L’invito in questo caso ad una donna di ricordarsi tutto ciò che lui ha fatto da quando la loro storia è iniziata, deriva dalla presa di coscienza di sé, di dove si è arrivati nonostante l’assenza di chi doveva esserci. Ora che la situazione è capovolta, non resta che ricordare e fare propri gli errori. Il ritornello spezza il fiato, vive della base di West, e viceversa.

“Deja Vù senza fiato” è la collaborazione dell’album che tutti aspettavano. Deja Vù senza fiato è veramente un back in the days. Deja Vù senza fiato è un viaggio indietro alla fine del millennio. Questa è la prima collaborazione dell’album, che vanta l’appoggio di un Fabri Fibra nostalgico e sentimentale. Non sarà spesa parola alcuna sulla questione “il vecchio Fibra”. La canzone si apre con un arpeggio acustico e racconta la storia di chi parte dalla provincia per arrivare in alto. Spesso inseguire i propri sogni nel loro labirinto ha un costo maggiore delle aspettative, e solo quando si è giunti al termine ci si accorge che, infondo, si è percorsa una strada interminabile al solo fine di giungere ad un vicolo cieco. Talvolta soli anche se unici, e il più delle volte senza un filo di Arianna per poter tornare indietro, da dove tutto è cominciato. La città apre le sue braccia se la si guarda negli occhi; appena le si voltano le spalle, sa usare le stesse per strozzare il fiato.
È la traccia numero sei a portare il nome dell’album. In “Requiem 55” Claver Gold si scontra con la sua autocoscienza sfruttando la base di West come confessionale per chiedere scusa a tutte le persone a lui care, a cui ritiene probabilmente di aver fatto del male, volontariamente o involontariamente. Evento raro, ma non unico, il rapper si misura su un suono evidentemente trap. Malgrado i drammi esistenziali e le storie evidentemente finite male da lui raccontate, è certo che l’amore che scorre fluido tra le sue rime  e le basi del suo deejay meriti di puntare a un’istanza superiore anche allo scorrere del tempo. La retorica del pezzo, però, è proprio incentrato sul tempo: quello che è passato e che non basta per dimenticare ricordi inquinati dalla droga e dalla follia, e quello che resta per poter rimediare agli sbagli, laddove siano stati commessi, per poter tornare a credere in una vita spensierata e distante dai guai.

“Quando sei con lui” è lo spartiacque dell’album. Da questa traccia in poi sarà messo in fila il blocco delle collaborazioni, alcune storiche, altre nuove e di grande rilievo nel panorama del (conscious) rap italiano. La traccia si presenta da sé già dal titolo. Claver è stato con una donna che ora ha un altro uomo, nonostante sia conscia di essere legata ancora a lui. Claver non ci risparmia riferimenti cinematografici: “io che volavo da cinquanta piani” potrebbe essere una nota al margine, ma non passa inosservata a chi conosce il ben noto film di Mathieu Kassovitz La haine(1995), con protagonista Vincent Cassel, tra gli altri. Chi ha studiato “clavergoldologia”, però, sa che potrebbe anche essere un riferimento indiretto a “Blu Cobalto” (2009), prodotto da dj West e che prevede la collaborazione di Over:
“Noi sul bordo di un palazzo di cinquanta piani, mani nelle mani/dove le vertigini spaventano il domani/siam pronti per il salto, pronti per il balzo/pronti per nuovi tramonti, nuovi giorni blu cobalto”.
È probabile che la Mallory Knox di cui parlava anni fa, sia la stessa che si lascia indetro perché “ha perso le fedi”. Basta con le allucinazioni adesso e torniamo con i piedi per terra: il ritornello in extrabeat è una bomba a idrogeno.

Davide Shorty è il primo nome del secondo blocco dell’album. “Notte di vino” è il connubio perfetto tra il flow di Claver Gold e il soul di Shorty, che ha una voce incantevole, ammaliante, e senz’alcun’ombra di dubbio la più adatta all’atmosfera e al testo del pezzo. Un pezzo, per altro, in cui Claver non spreme solo mosto amaro. È l’ebbrezza del male a comandare come sempre il ritmo del pezzo, ma c’è di più proprio oltre i contorni di quel cielo costantemente grigio che guarda dall’alto sui deliri raccontati, onirici o reali che siano. Una figura capace di sintonizzarsi sulla stessa onda di quel male, di trarne il meglio, capace di rendere meno tortuoso anche il più insidioso dei sentieri della vita.
“Uno come me” è un altro self-telling amplificato dalla cornice calda della voce di Stephkill, storico amico e collaboratore di Claver Gold, nonché artista autonomo (lo troviamo  anche in Mr. Nessuno in brani come “Mani” e “Non Basta”). Nel pezzo il rapper sembra volersi scostare dalla vita che lo ha inseguito per anni, quella della droga, della strada e dell’insuccesso. Malgrado i suoi sforzi e l’esempio che rappresenta per gli altri, gli sbagli continuano a perseguitare la vita di amici e cari, ai quali però è arrivato il momento di rinunciare, per potersi sentire se stesso. Si parla spesso di situazioni in cui o ci si resta, o da cui bisogna uscire, consapevoli di tutte le conseguenza negative. È estremamente difficile trovare un compromesso: spesso la salvezza di sé,  deve essere contrappesata dall’invidia di chi diceva di starci vicino.

Quello successivo è uno dei pezzi più forti dell’album, in collaborazione con uno dei rapper più forti del panorama italiano. È E-Green a mettere la sua firma in “Un motivo”, traccia numero dieci di Requiem. Anche stavolta, un pezzo che racconta l’ascesa dalla provincia ai palchi in città, malgrado le difficoltà e gli amici persi durante il percorso. Anche in questo caso, la scelta non sarebbe potuta cadere su nessun’altro, se non sul rapper di Busto Arsizio. La canzone è un attacco a chi racconta una falsa verità nelle canzoni, a chi parla di strada senza averla vissuta, a chi, in un modo o nell’altro, trasforma la stima in invidia nei confronti dei due cantanti, superiori alla media nazionale per il solo fatto di essere riusciti a sopravvivere alla vita che hanno condotto, mantenendosi sempre veri con se stessi.. Il refrain ha una sfumatura alla Stephen King, in cui la strada, a guisa di Pennywise, chiama ancora Claver invitandolo a “giocare con lei”.

“Non c’è show” è una traccia che, già dal titolo, si presenta come una macchina del tempo, in viaggio verso l’anno 1999. Alla fine del secolo scorso, Fritz da Cat pubblicava il leggendario “Novecinquanta”  e “Non c’è limite allo show”, con Dj Lugi alla voce, era il brano d’apertura del’ album. Claver Gold si propone questa volta in collaborazione con un’altra figura storica del rap italiano, anch’essa presente in Novecinquanta con “Street Opera”, e già dalle informazioni disseminate, pare inutile sottolineare l’importanza della presenza di Lord Bean. L’artista è inoltre la mente grafica che si cela dietro il lettering di Requiem, attività a cui ormai ha dedicato gran parte del suo tempo (rilevano anche i merchandising e le grafiche realizzate per “Numero Zero: alle origini del rap italiano”, docufilm del 2015, capitolo di storia raccontato dalle stesse voci di chi ha gettato le fondamenta per il genere nel nostro Paese ed Ensi alla guida del timone tra una testimonianza e l’altra). “Non c’è show” è tendenzialmente un pezzo autocelebrativo, che riporta nell’ hook un sample dello storico pezzo prodotto da Fritz e degli scratch straordinari di Dj West in uscita.

Arrivati a “Prima di decidere”, ci si dovrebbe coprire dai brividi che salgono lentamente su per le vertebre come fossero i pioli di una scala fino alle vostre orecchie, passando per gli occhi nel migliore dei casi, dove si potrebbero liquefare e tornare di nuovo giù. Ghemon ha recentemente pubblicato “Mezzanotte”, album fitto che conta ben quattordici tracce, e in un’intervista diceva di essere stato costretto, per motivi discografici, a scegliere “solo” quattordici delle trenta canzoni che aveva scritto. “Prima di decidere” avrebbe potuto, per ipotesi, essere una bonus track numero quindici: le note di pianoforte e gli accompagnamenti elettrici della base di West non tradiscono il soul e le doti vocali del rapper di Avellino, presente nel ritornello e nella strofa finale. Claver Gold, dal canto suo, ha il potere di rendere puro anche il peggiore dei mali interiori con le sue liriche sincere, riuscendo ad abbattere le barriere di banalità che si potrebbero innalzare attorno alla vera atmosfera del pezzo. Ghemon è complice in tutto questo, descrivendo con poetico realismo il sesso e le emozioni che è capace di partorire.

“Libertà” consta di una collaborazione con un altro membro di Glory Holes, ossia Tmhh. La traccia, che al primo ascolto può passare in sordina, si apre con un flashback in cui il professore chiede al piccolo Claver cosa significhi per lui “libertà”. La risposta alla domanda è da ritrovarsi nella personale storia di Claver e di altri personaggi, Sara e Dario, che vengono raccontati nella loro interminabile corsa per aggrapparsi ai sogni, spenti tra il malessere, i cucchiaini e i bicchieri vuoti. La libertà, però, non sta nella realizzazione dei propri obiettivi, ma proprio nell’instancabile voglia di perseguirli, sfiorarli e vederli allontanarsi per poterli rincorrere ancora su un sentiero costellato di sbagli ed errori i quali, a patto che siano frutto di scelte individuali, sono motivo di orgoglio e forse la vera essenza della libertà stessa. È emblematico il verso di Claver nella terza strofa:
“Lei, sognava un bimbo in dono per Natale/io guardavo il cielo rispecchiarsi dentro il mio fondale/nodo di sangue tra un sorriso e il pianto terminale/non mi riesco a concentrare ed Ettore respira male”
Il verso resta aperto a diverse interpretazioni, ma è sicuramente una forte testimonianza di vita. A fronte di certe esperienze vissute, riuscire a usare il rap per non parlare  di soldi e scarpe nuove, come i modaioli dell’ultima generazione, scorticandosi le cicatrici senza inibizioni, è sicuramente la conversione verbale più profonda del concetto di libertà.

“Il meglio di me” è l’ultima delle collaborazioni dell’album che vanta la presenza di Rancore, quindi a che serve parlarne, se questo basta e avanza per presentare la canzone?
Scherzetto, ne parliamo comunque. “Il meglio di me” è una delle canzoni più intime di Requiem, suona come un pezzo dedicato, e infatti lo è. Dietro le strofe aleggia il contorno di una figura che non è più presente nella vita di Claver e si susseguono anche immagini dal gusto ingenuo e infantile, che rimandano ad un’infanzia vissuta male. L’esperimento era già ben riuscito in “Tarassaco Piscialetto” con “Piove Ancora”, traccia stesa insieme ad un meraviglioso Kyodo. L’ atmosfera in Requiem assume ovviamente tratti più nostalgici e malinconici,  ad esempio:
“Mama, cambia la trama/ricoprimi di nuovo sotto frasi di lana/il freddo entrava in casa come sbirri in borghese/le mie mani eran tese verso la tua sottana”
Rancore si adatta pienamente al ritmo di Claver, è più aperto e meno ermetico, più sentimentale e meno cerebrale, lascia scorrere la rabbia repressa e il disagio come monologhi e flussi di coscienza.
“E nulla porta nostalgia più dei luoghi/ di un ricordo che ti parla, ogni fotogramma sembra un déja vù/e nulla porta ipocrisia più della poesia/che appena dici di farla, già non la stai facendo più”

Chiuso il blocco delle collaborazioni, “Luca” è il pezzo che avvia verso la fine della liturgia. Claver dedica il brano ad un suo amico, come suggerisce il titolo, e lo usa per chiedergli scusa per tutti gli errori commessi e le colpe che ancora si porta addosso, malgrado il tempo passato. Claver rievoca tutti i momenti trascorsi assieme da piccoli fino al momento in cui è scappato, per poi tornare pulito e conscio dei suoi sbagli. Il rapper non perde anche quest’occasione per disseminare perle e varchi temporali, che anche questa volta ci riportano al 1999, quando “cantava Sindrome invece di andare a scuola”. L’ultima strofa si chiude così:
“La notte è piatta e i locali chiudono all’una/il mio fegato non so per quanto regge la schiuma/ricordo vagamente ma a scatti, difatti/la mattina da sveglio tengo qualche lacuna”

Il verso che Claver utilizza in chiusura della terza strofa è lo stesso verso che Fibra utilizza in apertura della terza strofa di “Non dimentico”, traccia contenuta in “Sindrome di fine millennio” degli Uomini di Mare.
Carpa Koi” è il pezzo più adatto a chiudere il Requiem. Claver porta avanti una ricerca lessicale già iniziata e impiegata in “Melograno”, per la precisione in “Lady Snowblood” (forse non è un caso che la produzione della traccia sia affidata a Kintsugi, che ha lavorato a tutte le basi dell’album precedente). Dal gusto orientale, come suggerisce il titolo, ma anche il sample nell’hook, questo pezzo rappresenta per Claver forse l’inizio di una nuova alleanza, la speranza che una nuova unione possa passare un colpo di spugna su tutto ciò che ha passato e che ha raccontato nelle sue canzoni. Per altro, anche nella credenza cattolica ci si auspica una nuova vita dopo la morte, ma Claver preferisce utilizzare questo simpatico animaletto originario della Cina, ma importato e allevato in Giappone sotto il nome di Nishikigoi. Questi pesci sono le tradizionali carpe d’acqua dolce che vengono allevate negli stagni a scopo fondamentalmente ornamentale. Ne esistono infatti di diverse varianti e colori, e i significati che gli vengono attribuiti sono molteplici. La carpa koi è considerata infatti simbolo di perseveranza e di lotta contro le avversità, credenza nata probabilmente dal fatto che questo pesce sia capace di nuotare controcorrente; è considerato anche simbolo di amicizia e amore, nonché fiducia reciproca e fiducia nel matrimonio. Oggi trova grande successo come soggetto di diversi tatuaggi, che la raffigurano spesso circondata da onde o flutti d’acqua.
L’album si chiude con un “Outro” in cui West assembla diversi cuts e samples recuperati da parti di voce cantate all’interno dell’album.

Non c’è molto da aggiungere al termine di un’analisi abbastanza approfondita di un album del genere. Sicuramente che non sia di facile ascolto, se ci si approccia all’artista per la prima volta, per cui si rivela necessario ascoltare anche “Mr. Nessuno” e “Melograno”. A fronte di due album in cui il rapper ha trovato e provato già ogni modalità di espressione, Reqiuem si presenta come quasi un esercizio di stile, dal punto di vista formale, seppur impeccabile per la maniera in cui vengono trattati i suoi contenuti, quasi fossero una scatola con la scritta “fragile”. Lo dimostrano le collaborazioni scelte: Claver rappa accanto al meglio del meglio in Italia, e questo è in sé già sufficiente per consacrarsi come un vulcano artistico in eruzione (escludendo tutti i progetti che l’hanno visto accanto a questi e altri artisti prima che uscisse l’album). Il rapper ascolano ha inoltre la capacità di farci vivere quegli stessi artisti in maniera diversa, da un Fibra più malinconico a un Rancore schietto e senza mezze misure, trascinandoli nel vortice di nostalgia e disagio che lo caratterizza.
Questo disco è esattamente il risultato di ciò che Claver Gold ha chiesto a se stesso, ed è sicuramente ciò che i suoi fan si aspettavano da una mente come la sua. Zero compromessi, zero coinvolgimenti in una scena di cui non vuole far parte e che non è alla sua altezza, sempre vero con se stesso, Claver Gold si dimostra ancora una volta portatore di una cultura che con quest’album vive il passaggio ad una vita nuova, anche se per molti sepolta da tempo.

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Il Primo Re, Rovere dona speranza al cinema italiano 0 158

Il primo Re’ potrebbe, dalle premesse, non risultare un film per tutti. Sicuramente non è l’ennesimo Marvelone d’oltreoceano che ha riempito le sale italiane nei week-end, ma nemmeno la solita commedia all’italiana che ha forte richiamo nei cinema nostrani – e solo in quelli nostrani. Fin qui, però, ho detto cosa questo film ‘non è’, ormai parametro fondamentale per classificare e apprezzare la cinematografia. La verità è che in un mondo di Neri Parenti preferirò sempre un Matteo Rovere. Rovere, infatti, non è solo il regista dietro a questa pellicola, ne è anche produttore attraverso la sua personale casa di produzione Groenlandia srl. Ed è proprio grazie alla produzione se questo film non solo ha visto la luce ma è LIBERO da quelle che sono le regole e i topoi a cui la cinematografia italiana ci ha da sempre abituati. Rovere aveva già dimostrato di avere le palle ai tempi di “Smetto quando voglio”, anche quello film inusuale per il nostro Stivale – tralasciando la parabola indecente dei sequel-, mai però quanto ‘Il primo Re’. Ma andiamo a spiegare i motivi per cui questa premessa è stata doverosa: di cosa parla questo film? [SPOILER ALERT FINO A PARAGRAFO SUCCESSIVO]

Attraverso una prima sequenza degna di Hollywood, Rovere ci introduce al mondo di Romolo (Alessio Lapice) e Remo (Alessandro Borghi): una landa primordiale in cui molti degli uomini sembrano ancora animali, bestie rabbiose. I fratelli vengono catturati dagli uomini di Alba, città che su quelle terre ha l’egemonia indiscussa. I due però riescono a scappare in un qualche modo, sebbene Romolo rimanga ferito gravemente. Da questo punto in poi, per quasi metà film, la pellicola attraversa una fase alla ‘Revenant’ (Film di Alejandro González Iñárritu con Leonardo Di Caprio, 2016) in cui la vita di Romolo è messa a repentaglio sia dall’infezione che si è generata dalla ferita, sia dagli uomini fuggiti con i due fratelli che lo vorrebbero abbandonare, ritenendolo maledetto da Dio. Remo si guadagna il rispetto di questi e non solo li dissuade dall’abbandonare il fratello, ma li convince anche a seguirlo lontano da Alba, scappando dai soldati a cavallo, più numerosi e meglio armati, verso una “terra promessa”. Contro ogni opinione, Remo continuerà a sfidare il volere divino anche dopo che il fratello sembrerà ripresosi, non adempiendo a ciò che ha predetto l’oracolo: uno dei due fratelli fonderà una potente città e ne sarà il re, ma solo perché avrà preso la forza e la volontà per adempiere a tale compito macchiandosi di fratricidio, dando agli dèi ciò che vogliono. Sebbene Romolo si mostri favorevole a sacrificarsi (dopo essere appena guarito) per il fratello che ama, questi non riesce a seguire un così crudele destino e sceglie di ignorare il fato predetto. È questa la fine di Remo: continuerà a sfidare gli dèi, affermando che gli umani sono soli e che lui non vuole più farsi guidare dai riti propiziatori e dal caso; vuole divenire il suo destino, cosa che accadrà. La smania di ciò lo porterà infatti a compiere questo suo destino, morendo per mano del fratello che si stancherà ben presto delle sue blasfemie. Ucciso con tanto orrore dalla mano fraterna, però, darà anche il nome alla città che sarà fondata da Romolo, l’Urbe, dall’altra parte del fiume, una città libera sui cui Alba non potrà mai allungare le mani: Roma. [FINE SPOILER ALERT]

Il film si discosta totalmente dalla classica produzione italiana, presentandosi a tratti crudo, se non, addirittura, crudele; ma, soprattutto, mai gratuito. Intercorrono tra di loro scene di estrema violenza e azione alternate ad evocativi campi lunghi in cui i paesaggi diventano reali protagonisti. Certi momenti del film si compongono di lunghe attese, facendo intuire allo spettatore che qualcosa succederà, dando vita a una tensione palpabile e via via crescente, fino al raggiungimento di uno sgozzamento, un duello, una piccola battaglia o, a volte, solo uno scambio di battute. A rendere al meglio le scene di combattimento è l’abilità dei due attori protagonisti, Lapice e Borghi, i quali si sono allenati con la scherma nel periodo antecedente le riprese, riuscendo a riportare un sano realismo davanti la macchina da ripresa. Qualcosa che potrebbe far storcere il naso ai più attenti, invece, potrebbe essere la ricostruzione storica legata agli abiti, ai luoghi e alle armi che, almeno in parte, pare errata, nonostante il grande e prezioso contributi di alcuni archeologi e storici nella ricostruzione delle ambientazioni. Ma poco importa quando l’atmosfera che Rovere riesce a creare ci porta in viaggio tra quei boschi e quei colli dove i nostri antenati furono – e rivivono, grazie a questo film. Legarsi in toto alla fedeltà storica, o mitica che dir si voglia, poteva essere una scelta interessante, ma forse non avrebbe reso bene parte dell’opera che deve alle immagini d’impatto e alla regia la sua forza, non di certo alla sua correttezza storiografica. Storia che ogni spettatore conosce già da prima di vedere il film, che non sorprende più di tanto, che non offre grandi colpi di scena. La storia è solo una cornice, una scusa per offrire determinate immagini e scene portatrici di una potenza inaudita.

Tra tutti questi pregi un grande difetto, se vogliamo, è la povertà di concetti. L’unico portato in scena è il rapporto con il divino o con il destino cui l’uomo è legato. Il sottomettersi al proprio fato come fa Romolo, seguendo la via giusta (pietas romana, quella che incarnava l’eroe Enea), contrapposto al voler affrontare il destino, cercando di combatterlo con tutto sé stesso per poi fallire miseramente, come fa Remo (e come fanno tutti i personaggi ‘negativi’ della latinità).

Non deve essere stato facile girare questo film; ancora più difficile, invece, sarebbe stato portarlo al cinema e sperare in un riscontro positivo. Rovere però ci è riuscito, nelle sale italiane è stato finalmente proiettato un prodotto diverso, in grado di far riportare la mente ai gloriosi anni ’80, quando l’industria cinematografica italiana era molto rispettata e in diretta competizione con quella statunitense, prima che gettassimo la spugna e ci arrendessimo allo stra-potere nemico affacciato sul Pacifico. Ed è un po’ quello che fanno Romolo e Remo quando tutti si sono già arresi:mostrano i denti e combattono con tutto ciò che hanno, tenendo alto il loro valore contro la potentissima e più progredita Alba.

il primo re matteo rovere

Non sapendolo, non pensereste mai che, per questo film, non si è attinto a fondi pubblici, motivo per cui la mano di Rovere era guidata solo dal suo spirito. Soltanto la prima scena del film è costata un quarto del budget stimato di otto milioni – cifre che, per il nostro cinema, possono sembrare un’iperbole ma che, paragonati alla media di settanta milioni per un film della Marvel, paiono lenticchie.

Tirando le somme, è davvero difficile trovare dei difetti in quest’opera. L’unico ostacolo alla visione potrebbe sembrare essere la lingua utilizzata in questo film: la pellicola è, infatti, interamente recitata in un latino arcaico, lingua che riesce a donare una forte potenza d’impatto a molte scene. La sensazione rimane quella di una scelta azzeccatissima: un doppiaggio in qualsiasi altra lingua avrebbe davvero reso male se paragonato alla forma originale in cui oggi il film viene presentato: il protolatino si sposa perfettamente all’atmosfera che Rovere ci fa respirare, generando, a tratti, una sonorità piacevole all’orecchio – grazie anche all’ottima interpretazione del cast. Il Primo Re riesce, in sostanza, a donare speranza al cinema italiano, scalando un tratto importante in quello che è l’arduo percorso di risalita che la nostra industria cinematografica è obbligata a compiere, magari seguendo proprio i passi – e quindi l’originalità – di registi come Rovere.

Ascoltare i Quercia per perdersi e ritrovarsi 0 113

È uscito il 20 febbraio scorso ‘Di Tutte le Cose che Abbiamo Perso e Perderemo‘ il nuovo LP dei Quercia, band cagliaritana dalla fortissima attitudine punk, che negli anni ha saputo coniugare l’alternative con l’emo e il pop con lo screamo, il post hardcore e, ovviamente, il post rock. In quest’ultimo lavoro – interamente autoprodotto – c’è tutto questo, ma anche di più. C’è il dadaismo intenzionale di band emergenti come i Cucineremo Ciambelle (forieri del math rock in Italia), il graffio dei Gazebo Penguins di Legna, ma anche il groove dei CCCP, insomma: storia, tradizione e irrazionalità. Il tutto è condito con una buona dose d’introspezione, un pizzico d’insofferenza e una spruzzata di malinconia. Questo disco ha un filo conduttore: la perdita. Relativa a persone, cose, sentimenti ed emozioni, la perdita è legata a un senso di vuoto che attiva in noi un meccanismo inerziale che ci spinge a cercare un “rimpiazzo” e ci porta a tracciare i contorni – prossimi alla dissolvenza – di ciò che abbiamo perso, su quelli dell’eventuale rimpiazzo. Non siamo disposti ad accettare l’oblio né tantomeno la perdita, per questo tentiamo di esorcizzarla ed esorcizzare la sofferenza che ad essa è legata. Con la musica si può fare.

La copertina del nuovo disco dei Quercia

Il disco si apre con Buio: brano potentissimo, urlato, quasi sputato in faccia a chi ascolta. Chitarre distorte e un ritmo martellante di una batteria ormai usurata: è il pezzo con la cazzimma, quello che ti spettina e ti fa ribollire qualcosa dentro. È il varo che porta la nave lontano, fra le onde della melanconia e quelle del destino (con buona pace di Lars von Trier).

Il viaggio continua con Finestra, brano che incarna perfettamente lo spirito screamo. Il testo è imperniato sulla domanda “che cosa ci manca davvero?”, e proprio la mancanza – come già detto – è il filo conduttore di tutto il disco. Il graffio della voce esalta il testo stringato ma essenziale e mai banale.

Torri è il pezzo multanime, quello che comincia in un modo e finisce in un altro. L’inizio soft con un bel riff lascia presto il posto alla prepotenza della voce e della batteria. Questo brano è un invito cinico a dimenticare tutto ciò che è stato e che probabilmente non sarà più. Dimenticare – fare tabula rasa – per ricostruire e ricostruirsi, per non perdersi nei ricordi e andare avanti, questo è il messaggio.

Pogare è lecito, soprattutto per pezzi come Corridoio che ti sollevano letteralmente da terra (provate ad ascoltarlo col surround acceso a volume alto, ma state lontani dai vetri!). Il post-rock, il punk, l’emo, si sentono tutti e si avvicendano in un preciso gioco di rimandi. Questo pezzo sembra descrivere la memoria come un corridoio che percorriamo a ritroso per trovare i ricordi migliori. I peggiori li lasciamo dissolvere nel buio dell’oblio.

Quercia band

Voci distorte, frasi che s’incastrano perfettamente e licenze poetiche. Problema è una confessione accompagnata da un groove avvolgente: “L’inferno che conserviamo nelle stanze di noi stessi brucia chi non lo capisce”. Abbiamo tutti un inferno privato che non siamo disposti a condividere, perché siamo convinti che nessuno sia in grado di comprendere. Non è sbagliato pensarlo, ma non è neanche giusto: è semplicemente relativo (anche se è risaputo che all’inferno ci sono solo stanze singole!).

Capolinea è un brano più lento e cupo ma non per questo meno intenso. È un pezzo alla Gomma (band post- punk casertana) da cui traspare l’anima intimista della band: noi siamo il capolinea del treno e non si può più andare oltre.

Si cambia completamente stile in Altalena, pezzo strumentale, quasi ambient. È un brano rilassante e cullante, un unicum nell’intera produzione dei Quercia.

C’è un trait d’union che lega Altalena e l’ottava traccia del disco; è un filo sottilissimo che unisce i due brani e li rende complementari. Con Pozzanghere si torna nell’alveo dell’emo, seppur con qualche sfumatura punk. Il pezzo è un invito ad asciugarsi le lacrime, a smettere di piangere e fare pozzanghere, perché c’è sempre qualcosa di meglio da fare. Questo è il tentativo di esorcizzare la pena che segue una perdita.

L’attacco è di quelli potenti: “Tutte le cose che abbiamo perso e perderemo, non sono mai nostre davvero”. Fiammiferi è il pezzo più breve ma il più intenso dell’album. È privo di sovrastrutture e l’incipit si ripete così tanto da rimanere impresso nel cervello. Sì, è il brano che preferiamo.

Siamo soliti costruire muri per evitare di continuare a guardare ciò che ci disturba e ci fa male. Il muro è un confine mentale e/o fisico che c’impedisce di guardare, ma non c’impedisce di pensare: occhio non vede, cuore non duo-…no, troppo banale! Muro non lo è e ci porta a riflettere sull’inutilità di continuare a costruire qualcosa che finiremo, comunque, per distruggere, se non fisicamente almeno col pensiero. La chitarra nel finale si prende meritatamente la scena!

Bivio ha un testo verace, a tratti poetico. L’anima alternative e post rock del pezzo si tinge di punk, l’elemento distintivo della band. Qui troviamo l’arrangiamento più bello dell’album; ovviamente, come ripete sempre un mio amico “De gustibus […]”.

Il pezzo che chiude il disco s’intitola Ridevamo ed è una sorta di avviso ai naviganti: c’è sempre un motivo per non stare fermi e andare avanti. Il tempo passa e non possiamo far altro che farci trovare pronti per non arrivare in ritardo al nuovo appuntamento. Il gattopardismo larvato nel testo tradisce l’insofferenza per un posto che è, allo stesso tempo, sempre troppo uguale e troppo diverso.

Non bisogna limitarsi all’apparenza. Per capire i Quercia e la loro musica bisogna andare in profondità, senza scarnificarli. Al primo ascolto sembrano i cinque ragazzotti che ti urlano in faccia l’incazzatura dei vent’anni. Approfondendoli, invece, ci si rende conto che hanno le palle e meritano tanto!

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